Лучшие российские фильмы 2016 года

В последние годы о нем принято говорить полушепотом на кухне в кругу самых близких друзей. Ностальгировать по славным прежним временам, когда все было другим, — артисты талантливее, режиссеры смелее… О современном российском кино рассуждать стало зазорно и даже неловко, смотреть его — тем более. Что же оно такое наконец — «Летучий голландец» или кот Шредингера, который вроде есть, а вроде его и нет?

В начале 2016-го нам торжественно пообещали, что год российского кино запомнится яркими премьерами, неожиданными решениями и попросту хорошими работами на всех уровнях — от актеров до осветителей. LostFilm.INFO попытался выяснить, что же получилось у вечно критикуемых российских режиссеров в ушедшем году. Удивительно, но 2016-й оказался щедр на отечественные проекты с эпитетом «самый» — самый кассовый, рейтинговый, разрекламированный... Случались и победы в бокс-офисе, и скандалы, и жесткие дискуссии, и громкие удачи.



Начался год, как это часто бывает в российском кино, с хардкора в самом прямом смысле этого слова. Смелый проект Ильи Найшуллера и Тимура Бекмамбетова быстро обрел своих поклонников. Жгучая смесь «Адреналина 2» и шутера от первого лица не могла не привлечь зрителей, ведь подобное с нашим кинопромом случилось впервые. Любитель блокбастеров Бекмамбетов вдохновился на создание проекта просмотром клипа “Bad Motherfucker” группы Biting Elbows, идея которого как раз и принадлежала Илье Найшуллеру. А дальше все понеслось с дикой скоростью, и в итоге в съемках ленты приняли участие Шарлто Копли, Хейли Беннетт, Данила Козловский, Сергей Шнуров и даже сам Тим Рот.

Фильм интересен с технической точки зрения: съемки велись на любимые экстремалами камеры GoPro. Для поклонников боевиков именно «Хардкор» стал символом российского кино 2016 года как смелый, близкий зрителю проект. Его пример демонстрирует, что можно успешно сотрудничать с американскими коллегами, забывать о правилах и находить все новые и новые формы для воплощения своих эксцентричных задумок.

Подробнее о фильме читайте в нашей рецензии — Для начала игры нажмите «старт». Рецензия на «Хардкор»



Несмотря на кассовые успехи фильмов-катастроф от Николая Лебедева («Экипаж») и Николая Хомерики («Ледокол»), хотелось бы выделить другой дорогостоящий проект второй половины года. О «Дуэлянте» Мизгирева было слышно на каждом углу — за качественное продюсирование и рекламу стоит отдельно поблагодарить мастера своего дела Александра Роднянского, периодически сотрудничающего с Голливудом. Премьера драмы состоялась на фестивале в Торонто, где западному зрителю, возможно, оказалось непросто постичь российский колорит.

На родине же эклектичная картина о судьбе наемника в имперской России XIX столетия прельстила как критиков, так и зрителей. Главный плюс «Дуэлянта» — это мифологизация Петербурга того времени с его мрачной атмосферой и якобы непрекращающимся дождем. Создатели поместили динамичный сюжет в манящую, яркую обертку, рассказав историю о том, что всегда будет править миром, — о любви, ненависти и мести. Получилось не без огрехов, но благородный дуэт Владимира Машкова и Петра Федорова на таком фоне — это и правда вкусно.

Подробнее о фильме читайте в нашей рецензии — «Не бойся крови». Рецензия на «Дуэлянта»



Еще одна стильная драма от независимого автора, затеявшего игру с жанром. Это музыкальный триллер с вариациями на тему знаменитой классики — повести Александра Сергеевича Пушкина и оперы Петра Ильича Чайковского. До боли известный сюжет о нищем офицере Германе, страстно желающем испытать судьбу, и роковой Пиковой дамы, вставшей у него на пути, был перенесен в современный оперный театр. В новых обстоятельствах сорвать большой куш — партию Германа — пытается молодой и талантливый певец Андрей (Иван Янковский). Ему приходится помериться силами с коварной дамой — певицей и автором постановки Софией Майер (Ксения Раппопорт).

Размышления на тему сближения разных сфер искусства и шизофрении творческих людей у Павла Лунгина получились стильными, чувственными и динамичными. Последнее постановщику совсем не свойственно, оттого новый проект кажется экспериментальным. «Даму Пик» можно назвать пробой пера как для режиссера (в новой стилистике), так и для молодого, перспективного Янковского, наследника известной кинодинастии. А главную скрипку тут сыграла неподражаемая Ксения Раппопорт в роли азартной, взбалмошной и тираничной роковой женщины. Не получившая широкой огласки и отклика со стороны массового зрителя, драма Лунгина тем не менее заинтриговала многих критиков.

Подробнее о фильме читайте в нашей рецензии — Что есть кино? Игра! Рецензия на «Даму Пик»



«Коллектор» — это соло одной скрипки по имени Константин Хабенский. Скрипки, в принципе часто солирующей на просторах российского кинематографа. Актер давно доказал, что его имя способно гарантировать качество проекта, и последняя работа не стала исключением. Монодрама в замкнутом пространстве моментально напоминает о таких западных картинах, как «Лок» и «Погребенный заживо». «Коллектор» не соревнуется с ними, но говорит со зрителем о важном, о том, что мы с легкостью теряем и подчас не успеваем обрести снова.

В контексте российского кино «Коллектор» — это шаг вперед, необходимое высказывание о жителе мегаполиса, утраченной совести и победе золотого тельца и одновременно удачная попытка искренне обратиться к зрителю. К слову, Красовский готовил картину к выпуску долгие годы, не попросив ни одного рубля из «Фонда Кино» или от Министерства культуры. И не в качестве протеста, а из вполне объяснимого нежелания от кого-то зависеть.



«Зоология» от молодого автора «Класса коррекции» Ивана Твердовского — важное высказывание этого года, прошедшее мимо большинства кинотеатров и, соответственно, зрителей. Представленный сначала на фестивале в Карловых Варах, фильм как-то незаметно, крайне ограниченным тиражом вышел на наших экранах. Нелюбимый зрителями «дух либерализма», на который, пожалуй, скоро объявят охоту, можно найти и здесь. Как и резкую критику положения дел в стране. Вот только история зоолога Наташи совсем не об этом. Она не стремится расколоть и так уже вконец разобщенное российское общество. Иногда сгущая краски, Твердовский говорит об утрате и поиске человечности в обществе, о принятии личностью своей инаковости, каковой бы она ни была, и о возможности эту уникальность сохранить.

Блестящая метафора картины — это хвост, внезапно выросший у главной героини. Гоголевский «Нос» или «Превращение» Франца Кафки в этой связи вспоминаются совсем не случайно. Ценность истории Наташи именно в ее метафоричности. Изгоем может оказаться каждый, другой вопрос в том, насколько общество способно дать возможность отдельному человеку самому разобраться со своими странностями. По словам режиссера, западные зрители, посмотревшие «Зоологию» на фестивалях, совсем не задавались вопросами о том, такова ли Россия и ее граждане, как было показано в ленте. Потому что история Наташи вообще обо всех нас, независимо от национальности, политики или еще чего-то на первый взгляд важного.



Другой, скорее всего, проигнорированной основной зрительской массой картиной ушедшего года стала полудокументальная «Франкофония» маэстро Александра Сокурова. После посвящения Эрмитажу в фильме «Русский ковчег» режиссер обратился к истории Лувра, а конкретнее — к периоду Второй мировой войны и фашистской оккупации Франции, когда судьба музея была под серьезной угрозой. «Что было бы со страной, да и со всем миром, не будь Лувра?», — задается вопросом Сокуров. Прогуливаясь по знаменитому музею вместе с Наполеоном и Марианной, зритель становится свидетелем обретения российским кинематографом второго дыхания.

Впрочем, от обласканного критиками и коллегами признанного гения ожидать другого было бы просто странно. Его признание в любви к искусству в целом и Лувру в частности стало актуальным рассуждением на тему поиска человечности, цивилизованности в мире диких правил, политических законов и войн. Все преходящее — правители, режимы, лидеры... И только искусство безмолвно хранит и передает образ вечности, дух целого народа через века.



Другой, пожалуй, даже более любопытной документальной картиной стала работа Виталия Манского, посвященная истории из жизни девочки Джин-ми из Северной Кореи. Это первый фильм, снятый по разрешению властей в стране победившего социализма. Лучи славы великих вождей здесь не ласкают и не греют своих жителей, а иссушают и лишают их самих себя.

Картину сложно и страшно смотреть. Особенно тяжело придется тем зрителям, которые в эпизодах, что «подглядел» режиссер, увидят знакомые лица, образы, события... И если просмотр научно-фантастической антиутопии может доставить приятные эмоции, то фильм Манского опустошает и приземляет. Реальность может оказаться страшнее любого кинопредупреждения.



Одним из главных событий в отечественном кинематографе, конечно, стала премьера «28 панфиловцев» — в буквальном смысле выстраданного фильма. Знаменательным в отношении него становится многое: и собранный народом бюджет, и небывалый успех у российского зрителя, и огромный общественный резонанс. К тому же каждому зрителю с первых кадров становится понятно — отмывать с трудом полученные деньги создатели проекта не будут, ведь перед нами не боевик, а фильм о подвиге. Подвиге общем, народном, эхом откликающимся во множестве других, известных или канувших в Лету, историй.

Тем, кто посмотрел «Панфиловцев», бесконечные споры об исторической правде покажутся неуместным и попросту пустым занятием. Ведь то, как предстают в ленте бой под Дубосеково и его герои, снимает все вопросы. Фильм Шальопы и Дружинина не провоцирует, не трясет перед глазами красной тряпкой, а показывает будничность подвига и отсутствие героизма или пафоса в том, чтобы защищать свою Родину. «28» сняты в духе самых проникновенных отечественных фильмов о войне. А героев здесь и считать не надо — их просто нет, ибо подвиги совершаются обычными людьми. Есть только Мать-Земля и ее дети, не жалеющие ради нее собственных жизней.

Подробнее о фильме читайте в нашей рецензии — Они сражались за Родину. Рецензия на «28 панфиловцев»



Венчает пантеон лучших представителей отечественного кинематографа 2016 года, по нашему мнению, картина Кирилла Серебренникова «Ученик». Гротескная история внезапного фанатизма школьника рядового учебного заведения откликнулась в сердцах многих киноманов и рецензентов как вывернутая наизнанку картина нашего больного общества. Опять-таки не только сугубо российского. Серебренников выискивает самые острые углы и больные места, то превышая градус безумия, то смягчая свои гиперболы. Его драма действительно выглядит вполне конкурентоспособно на фоне современного мирового кино — смело, ярко и талантливо. Для того, чтобы зритель мог оценить картину по достоинству, ей не нужна «помощь спонсоров» — необходимы только пара часов вашего времени.

К тому же, несмотря на напрашивающуюся метафору, режиссер не ставит крест на поднимаемых им проблемах, не считает их неразрешимыми. «Ученик» — это блестящий и находчивый киноспекталь, представивший легко узнаваемые типажи в немного карикатурной форме. Но если рожа крива, так это еще классик объяснял, чего не следует делать.

Подробнее о фильме читайте в нашей рецензии — Не мир принес, но меч. Рецензия на «Ученика»

Десять фильмов, которые вы могли пропустить в 2016 году

LostFilm.INFO представляет вашему вниманию подборку фильмов, которые вышли в отечественный прокат в 2016 году, но без особой шумихи, а потому могли быть упущены киноманами из виду. Между тем критики о представленных ниже проектах отзывались в основном восторженно, а некоторые из попавших в наш список картин даже были удостоены различных престижных наград.

Здесь вы не найдете ни одного сиквела, триквела или перезагрузки — только оригинальные, по большей части авторские ленты, каждая со своим характером и настроением, затрагивающие по-настоящему важные для современного человека вопросы.



Пожалуй, нет в России ни одного киномана, которому не было бы известно имя Романа Волобуева — критика, достигшего небывалых высот в рецензировании фильмов любых жанров и бюджетов. В уходящем году Роман Олегович преподнес своим почитателям невиданный сюрприз — собственный режиссерский дебют. «Холодный фронт» — это мультижанровая камерная история о паре, выясняющей отношения перед третьим, бисексуальным лицом в сизой французской глубинке. Герои говорят, ссорятся, переодеваются, слушают местное радио — в общем, ведут себя как персонажи типичного независимого европейского кино. Соответственно, и смотреть эту картину надо, фокусируясь не на сюжете, а на визуальной составляющей, музыкальном оформлении и психологизме. А с этим у Волобуева все в порядке: «Холодный фронт» буквально пронизан мрачной меланхолией, свойственной людям, которые живут вроде бы неплохо, что где-то что-то упустили и теперь никак не могут найти. Кроме того, давние читатели Романа наверняка оценят то, как он вплел в сценарий свои фирменные колкости кинокритика, которому, видимо, все же не дает покоя приставка «экс».



В одном из своих интервью британский актер Иэн МакКеллен с горечью признался, что во время съемок «Хоббита» после многих дней изнурительной работы на фоне зеленого экрана задумался о том, чтобы уйти из кино навсегда. Как 77-летнему представителю старой школы, ему было чертовски некомфортно взаимодействовать с воображаемым партнером вместо живого человека. На съемочной площадке он чувствовал себя ужасно одиноким и переживал, что так и не сможет преодолеть эти трудности. Как хорошо, что сэра Иэна Маккелена иногда приглашают и в «нормальные» проекты. В полной мере раскрыть тему одиночества ему удалось в фильме Билла Кондона «Мистер Холмс». Эта экранизация романа Митча Каллина «Пчелы мистера Холмса» повествует о живущем в глуши престарелом Шерлоке, который пытается восстановить в памяти старое дело, собственно, и отправившее его на пенсию. Не ждите от этой картины внятной детективной интриги — это чистой воды драма. Драма о борьбе все еще очень умного человека с унизительной старческой деменцией, о правильном отпущении грехов, муках того самого одиночества и, в конце концов, о достойном переходе из бытия в небытие. «Мистер Холмс» — это в первую очередь колоссальная актерская работа, своеобразное «да пошли вы все со своим зеленым экраном» от обладателя двух номинаций на «Оскар» и почти пяти десятков профессиональных наград.



Еще один проект, который вы могли пропустить, принадлежит авторству легендарного голландского фотографа, клипмейкера и режиссера Антона Корбейна. «Лайф» — это не просто фильм о том, как познакомились и подружились культовый американский актер Джеймс Дин и фотограф Дэннис Сток. И самого Корбейна в его проекте интересует не одна лишь профессиональная сторона вопроса. На первый план в этой ленте выходит то, как в принципе происходит зарождение мужской дружбы. Главные герои проходят все необходимые стадии — неловкое знакомство, недоверие, правда в лицо, совместное употребление спиртного и прочий чад кутежа, а также, разумеется, взаимные обиды и преодоление оных. Настоящему другу можно честно рассказать, как однажды тебя стошнило на сына, на что он тебе непременно ответит нечто в духе: «Зато у тебя фотографии хорошие», — вот о чем эта картина. Кроме того, Дэйн ДеХаан и Роберт Паттинсон на все 100 процентов оправдали выбор их персон на эти роли. Первый сыграл пока еще не легенду, а живого мятущегося человека, второй — того, кто увидел в молодом Джеймсе Дине огромный потенциал и не смог пройти мимо, оставив его без своей профессиональной помощи, несмотря на многочисленные трудности и препятствия.



Этот фильм-настроение режиссера Ричарда Линклейтера снят в присущей пятикратному номинанту на «Оскар» манере легкой ироничной зарисовки, на сей раз из жизни студенчества 80-х. Группа обаятельных усачей в обтягивающих шортиках весело проводит время перед учебой, обсуждая либо женский пол, либо бейсбол. Главные герои — подающие надежды игроки, для местной тусовки почти что боги, так как уводят всех девушек. Но это даже близко не похоже на современные молодежные комедии с их пошловатыми гэгами и спекуляцией на человеческих недостатках. «Каждому свое» — очень светлое, лиричное кино, абсолютный летний дзен, каким его может показать только Линклейтер. Мир, говорит нам режиссер, такой огромный и гостеприимный, в нем столько всего интересного и красивого. Столько безмятежной радости может подарить тебе любое событие — от вовремя поданной другом бутылки пива до свидания с самой милой студенткой кампуса. Тебе же остается только вдохнуть полной грудью и раскрыть объятия навстречу этому волшебству.



Режиссер Ласло Немеш решил обратиться к такой исследованной кинематографистами со всех сторон теме, как Холокост, однако использовал при этом оригинальный прием — в кадре почти все время находится затылок главного героя. Благодаря этому эффект присутствия зрителя в настоящем аду на Земле усиливается стократно. Кроме того, венгерский еврей Саул не просто один из заключенных — он является членом зондеркоманды. Именно его глазами мы наблюдаем за тем, как узников концлагеря отправляют в газовые камеры. Прошлогодний обладатель «Оскара» в категории «Лучший фильм на иностранном языке», «Сын Саула» не спекулирует на благодатной теме, не пытается выдавить из нас слезу или, наоборот, смягчить ужас происходящего. Его также нельзя причислить к категории кино не для всех — у Немеша все предельно понятно, нет длительных статичных сцен и красивых кадров, снятых исключительно ради пущего эффекта. Саул проводит нам честную экскурсию по аду, и для истинного киномана это невеселое мероприятие не должно остаться факультативом, который можно прогулять.



Знаменитый датский режиссер-провокатор и один из единомышленников Ларса фон Триера, Томас Винтерберг, в своей новой работе устроил жестокую расправу над ностальгией по традиционным семейным ценностям и собственной юности, а заодно признал все попытки человека избежать черной бездны одиночества бесперспективными. Хотя начинается кино довольно оптимистично: преподаватель архитектуры Эрик получает в наследство огромный дом и, поскольку не может оплачивать квартплату сам, устраивает в своем семейном гнезде настоящую коммуну. Однако все жильцы уже немолоды и больше напоминают карикатуры на самих себя, да и формат веселого общежития давно списан в утиль, а потому впереди героев ленты ждут только взаимные претензии и неизбежный разлад. Поклонников Винтерберга «Коммуна» может заинтересовать тем фактом, что постановщик отошел от социальной сатиры и ударился в чистую драму, а незнакомого с творчеством датчанина киномана — своей мягкой ретро-стилистикой и очаровывающей несовременностью сродни той, что излучают сегодня семейные фотоальбомы или кассетные магнитофоны.



Пока Голливуд продолжает доить свои франшизы, где-то в Европе убеленные сединами киноклассики скромно снимают искреннее кино, рассказывающее о вещах, о которых мы не задумываемся, глядя, например, на то, как очередные Мстители крушат города. «Зимняя песня» 82-летнего Отара Иоселиани — это несколько гротескных по форме и содержанию историй из разных эпох, связанных темой ироничного и при этом смиренного принятия смерти. Что мы можем противопоставить ей? Только радость одного момента, которую можно разделить с другим, таким же бедолагой. В «Зимней песне» летят с плахи бутафорские головы, человека расплющивает катком в лепешку, как в диснеевском мультике, татуированный батюшка отпускает грехи солдатам-мародерам — и все это смотрится на одном дыхании благодаря единому пронзительному мотиву, напоминающему нам о том, что от беспросветной человеческой глупости и унизительной старости нас всегда сможет защитить крепкая дружба, искусство и немножко алкоголя.



Взять собаку одной из милейших пород и снять с ее участием фильм, полный обжигающего сарказма и черного-пречерного юмора, мог, конечно, только Тодд Солондз. Главная героиня картины, которую зовут то Дуди, то Рак, кочует от одних хозяев к другим (а возможно, это и вовсе разные таксы), заставляя их либо покинуть зону комфорта, либо остановиться и задуматься, либо прийти к каким-то важным выводам. В съемках были задействованы такие актеры, как Грета Гервиг, Дэнни ДеВито, Жюли Дельпи, Киран Калкин, Трэйси Леттс и великолепная Эллен Берстин. И каждый из них оказался ровно на своем месте, заняв в этом полотне нишу, принадлежащую ему и только ему. ДеВито — прозябающий сценарист-неудачник, Берстин — богатая желчная бабуленция, Дельпи — любящая мать излеченного от рака сына, ну а собака-сосиска здесь не что иное, как единственный светлый лучик в темном царстве маргиналов, утопающих в океане отчаяния.



Сложно поверить, что в эпоху, когда о тлетворном влиянии гаджетов на наш образ жизни снимают даже мегауспешные сериалы, где-то еще живут люди, не умеющие обращаться с компьютером. Его зовут Дэниел Блэйк, и он пожилой плотник из Нью-Касла, который может починить что угодно. Вот только у него никак не получается выбить у государства пособие, поскольку бюрократическая система давно автоматизирована. Дэниел же отродясь не держал мышки в руках, а слово курсор вызывает у него лишь саркастическую усмешку. Очень светлый фильм прославленного британца Кена Лоуча довел до слез каннских критиков галереей колоритных персонажей из низов, но с самыми чистыми душами. По разным причинам жизнь каждого из них полна невзгод, но некая внутренняя гордость, чувство собственного достоинства и, конечно, юмор помогают им оставаться порядочными даже в повседневной безнадеге. А мистер Блэйк еще и находит в себе смелость говорить о насущных проблемах во всеуслышание.



И напоследок не забудьте отправиться по волнам памяти культового американского режиссера Джима Джармуша. В своей документальной ленте про Игги Попа и его музыкантов он не столько сыплет фактами, сколько занимается забавной болтологией, характерной для его игрового кино. Ну и пусть это фильм об «одной из величайших рок-н-ролльных групп всех времен». Это не значит, что зрителя нужно душить хронологией событий и отчетными интервью. Gimme Danger похож скорее на сделанный своими руками подарок другу, нежели на серьезное исследование. Но создан он с душой и фантазией, как раз в подобающем случаю задорном рок-н-ролльном формате. Почему Джармуш решил снимать именно так? Ответ очевиден — потому что может.

Есть контакт: как зрителю являлось НЛО

Нас до сих пор могут тронуть картины о них — незваных пришельцах, заставляющих трепетать от ужаса и восхищения. Вот и канадский режиссер Дени Вильнев в одной из главных премьер этого года — фильме «Прибытие» — приправил сай-фай о контактах с внеземными цивилизациями особыми ингредиентами: лиричностью и философичностью. Массовый зритель от лент подобного жанра ждет впечатляющих спецэффектов и картин чинимых инопланетянами разрушений. Поэтому недостаточно высокие кассовые сборы драмы Вильнева можно посчитать вполне объяснимыми. Впрочем, как и восхищение критиков: с помощью литературного материала от Теда Чана, оригинальных приемов и практически соло в исполнении Эми Адамс режиссер сумел выжать столько саспенса и драмы, сколько любители умной научной фантастики в духе Станислава Лема или братьев Стругацких и ждут от произведений подобного рода.

Такой расклад не может не радовать, ведь удивить искушенного зрителя историями об НЛО в наши дни крайне сложно. Поэтому сегодня LostFilm.INFO хочет вспомнить другие, в меру оригинальные и философские картины о контакте с чужими на Земле, обернувшиеся не смертельной битвой или мировой войной, а чем-то гораздо более увлекательным.



Само название легендарного фильма на-все-жанры-мастера Спилберга уже давно стало нарицательным, когда речь идет о том, что «невероятно, но факт». Так же, как в картине Вильнева, неопознанные летающие объекты здесь внезапно появляются в разных точках земного шара. Астрономам приходит загадочное мелодичное послание из пяти звуков — шифр особой тональности для установки контакта.

Что за третья степень? Подскажет уфология, в которой контакты с тарелками варьируются в разной степени от одного до шести, от малого к более серьезному. При третьей степени человеку грозит воздействие на физическое и психическое состояние. Можно сказать, что здесь создатели картины впервые в кинематографе подобрались к НЛО именно с научной, а не научно-фантастической точки зрения, подробно рассмотрев возможность взаимодействия с инопланетянами.

Уже по одному имени главного постановщика фильма и дате выхода (1977 год) можно догадаться, что зрителя ждет старая добрая интеллектуальная фантастика, создававшаяся в те славные времена, когда нагнетание мрака и пессимизм совсем не являлись эталоном вкуса, а инопланетяне представали не только в угрожающем образе врагов и захватчиков. Интересен также и тот факт, что идея фильма привлекла и другого именитого режиссера — француза Франсуа Трюффо, исполнившего здесь роль астронома. Да и музыка как всегда волшебного Джона Уильямса, а именно та самая мелодия из пяти нот, до сих пор нет-нет да и появляется в композициях современных музыкантов.



Этот важный кирпичик в общем сооружении умного сай-фая о контакте с внеземным разумом снял еще один классик — Роберт Земекис. Главная героиня «Контакта» Элли Эрроуэй (Джоди Фостер) — ученый, за счет своего упорного труда и волей счастливого случая отправившаяся в межзвездное путешествие ради первого контакта с иным разумом.

Картина Земекиса ценна в первую очередь тем, за что мы во многом и любим фантастику, — социальной злободневностью и философичностью. Режиссер, основывавшийся на одноименном романе Карла Сагана, ставит в центр фундаментальные проблемы и вопросы — столкновение религиозного и научного мировоззрений, отношение разных влиятельных представителей социума (политиков, священников, ученых) к возможности межгалактического контакта. Критики в свое время по достоинству оценили умную кинофантастику от Земекиса: и в конце 90-х инопланетный сай-фай в кино (по сравнению с литературой) нуждался в переосмыслении и философичности. Также важным достижением фильма можно назвать второе место в списке самых достоверных научно-фантастических фильмов не от кого-то там, а от NASA.



Да, опять всемогущий Спилберг пробрался в топ. И если уже упомянутая нами лента об инопланетянах представляет собой проект широкого размаха, то «Инопланетянин» — история более лиричная, камерная и метафоричная. Неслучайно сначала занимавшаяся продюсированием «Близких контактов» Columbia Pictures отвергла сценарий Мелиссы Мэтисон, назвав его «скучным проектом в духе "Диснея"». Правда, обратился тогда Спилберг не к Мышиному дому, а в Universal. После полученных фильмом четырех «Оскаров» и множества других премий, а также присвоения ему звания самого кассового проекта десятилетия, боссам Columbia Pictures оставалось только кусать локти.

Впрочем, это уже неважно. И без упоминания громких титулов и наград «Инопланетянин» представляет собой один из уникальных случаев, когда зритель за время просмотра все больше проникается симпатией к другому, возможно, изначально ему неприятному существу. Правда, для этого оператору пришлось часто спускаться до уровня глаз ребенка, ведь взрослым порой приходится напоминать о самом главном именно таким способом, с помощью тех, чей взгляд не затуманен стереотипами и лицемерием. Эта работа Спилберга, как и его творчество в целом, — гимн человечности и толерантности.



По такому случаю вспомним еще один старый фильм — с несравненным Дэвидом Боуи в главной роли. Британца Николаса Роуга вдохновил популярный на тот момент роман Уолтера Тевиса. Сюжет его достаточно прост: пришелец прибывает на Землю с целью спасти свою планету, однако земная жизнь чересчур увлекает его. Британский музыкант Дэвид Боуи явно был создан для этой роли двойственного по своей натуре андрогинного гостя с другой планеты. Именно после этой первой его кинематографической работы за Боуи закрепился статус «человека, упавшего на Землю», которым, похоже, он и являлся.

Фильм вышел в 1976-м, уже после космических композиций Боуи "Space Oddity", "Life On Mars" и эпохального альбома «The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars», где он как раз впервые и предстал в образе андрогина-инопланетянина. Образ этот следовало поддержать визуально, поэтому музыкант не только поменял имидж, но и попросил известного документалиста Донна Алана Пеннебейкера снять о Зигги рокьюментари. Сам Боуи посчитал этот фильм неудачей, так как перед камерой предстал не загадочный пришелец, а лишь Дэвид Роберт Джонс под его маской. С этого момента певец и заинтересовался предложениями о съемке в игровом кино.

С точки зрения сай-фая «Человека, упавшего на Землю» можно назвать одним из уникальных примеров, когда внимание жанрового фильма концентрируется не на динамичном сюжете или спецэффектах, а на идеях и образах. Это не картина для разового поверхностного просмотра, она вряд ли вписалась бы в мейнстрим современного популярного кино. Оттого возвращаться к медитативному и атмосферному фильму Роуга еще ценнее.



Естественно, что там, где задействованы НЛО и его пассажиры, вполне найдется место мистике и хорошей доле ужаса. Впрочем, одно имя М. Найта Шьямалана уже навевает определенные мысли. В его фильмографии «Знаки» вряд ли назовут лучшим фильмом. После «Шестого чувства» к индийцу Шьямалану вообще были выдвинуты серьезные требования, которые он весьма наплевательски проигнорировал. В том числе по этой причине почти каждая последующая работа режиссера вызывает противоречивую реакцию от восхищения до непонимания. Такая участь не обошла и «Знаки», где в главных ролях выступили Мэл Гибсон и Хоакин Феникс.

Этот фильм, в общем-то, не совсем об инопланетянах или их вторжении. Внешняя угроза, показанная через борьбу с ней отдельной семьи, становится лишь формальным двигателем сюжета, поднимающего вопросы иного толка — истинной веры, духовного преображения и стойкости. Сама известная история загадочных знаков на кукурузных полях здесь не особо объясняется, но является одним из ярких символов, направленных на то, чтобы все больше нагнетать обстановку. Шьямалана всегда можно поругать за предсказуемость развития сюжета или некоторую наивность, порой даже граничащую с глупостью. Но чего у него не отнять, так это умения так плотно сгустить сумерки мистики вокруг героев, что даже самому рациональному зрителю придется порой вздрогнуть или испытать странный инсайт от происходящего. Получается в итоге некий магический реализм в кино, который вполне способен очаровывать.



«Конец детства» по сценарию Мэтью Грэхэма и книге олдскульного фантаста Артура Ч. Кларка — пример качественного современного научно-фантастического ТВ-шоу. Это мини-сериал из трех частей от телеканала Syfy. Здесь так же, как в «Прибытии», над Землей внезапно нависают космические инопланетные корабли. Только вот приносят они совсем другую весть — наша планета оказывается в оккупации у мощного противника. При этом жизнь на Земле начинает напоминать утопию: прекращаются войны, конфликты и разного рода угнетения. Благодарить стоит Сверхправителей — ту самую инопланетную расу, благородно решившую помочь неразумным землянам.

Роман Артура Кларка по праву считается классикой литературы о пришельцах. И интересовались им в качестве материала для постановки уже не раз: сначала сам Стэнли Кубрик, выбравший в итоге другое произведение Кларка, потом «коммунист Голливуда» Эбрахэм Полонский — тоже безуспешно, и, наконец, BBC, в 1997-м записавший радиопостановку произведения. Режиссер мини-сериала Ник Харран известен по работе над несколькими эпизодами бриллиантов британского ТВ — «Доктора Кто» (Doctor Who) и «Шерлока» (Sherlock).

Не будем здесь говорить о расхождениях книги с шоу, на то они и отдельные произведения, однако нельзя не отметить глубину вопросов, задаваемых в сериале, как и полученных на них ответов. Утешения ждать не приходится, но поразмыслить вместе с персонажами о судьбе человечества во вселенских масштабах — удовольствие, может, и сомнительное, но очень уж притягательное.



Наконец, вспомним весьма странный и гипнотический фильм Джонатана Глейзера об упавшем на Землю инопланетном существе, выгодно принявшем образ Скарлетт Йоханссон. Ранее клипмейкер таких групп, как Radiohead, Massive Attack и UNKLE, Глейзер готовил к выходу «Побудь в моей шкуре» по сатирическому сай-фай роману Мишеля Фабера в течение десяти лет. В итоге картина попала на 70-й Венецианский кинофестиваль и как у критиков, так и у зрителей вызвала ажиотаж, недоумение, восхищение — целый комплекс противоречивых чувств.

Творение у британца получилось тягучее, построенное на абстрактных образах, где-то на стыке артхауса с фантастикой. С традиционными привычными представлениями о том, как должно быть сделано кино, сюда лучше не заглядывать. Людям с тонкой душевной организацией тоже. Забавно то, что массового зрителя «Побудь в моей шкуре» привлек разве что тем фактом, что здесь во множестве сцен присутствует обнаженка с участием Скарлетт. И если кто-то после выхода трейлера «Призрака в доспехах» еще мог возмутиться непрорисовкой некоторых частей соблазнительного тела актрисы, то у Глейзера все по-настоящему.

Однако вдумчивому зрителю картина, конечно, запомнится другим, а именно необычным исследованием отношения полов и границ гуманизма в непривычной обстановке. Можно пошутить, что в некоторых сценах это просто ирония на тему, каково же находиться в теле Скарлетт Йоханссон. Ее героиня — это тот же «человек, который упал на Землю», исследующий свой новый облик и других людей, вплоть до их физического состояния, взглядом чужого. Такая отстраненная позиция во многом и является изюминкой фильма, где, казалось бы, привычные нам вещи оказываются на поверку чем-то не менее странным, чем возможно существующие инопланетные существа.

«Крику» — 20!

18 декабря 1996 года состоялась мировая премьера хоррора Уэса Крэйвена «Крик».

Сегодня название фильма ассоциируется с успешной франшизой, но в середине 90-х мало кто верил, что «Крик» ждет столь светлое будущее. Жанр слэшера переживал далеко не лучшие времена, из-за чего многие критики поспешили предречь проекту Крэйвена провал в бокс-офисе. Особо отличилось издание Variety, которое еще до выхода фильма на экраны употребило по отношению к нему термин «Мертв по прибытии».

Назло всем недоброжелателям «Крик» завоевал культовый статус в среде любителей хорроров, выиграл звание лучшего фильма года на церемонии вручения премии MTV, подарил миру невероятно колоритного киноманьяка, стал основой для трех сиквелов и успешного телесериала, а также в три раза поднял доходы телефонных операторов за предоставление услуги «Определитель номера».

LostFilm.INFO представляет вашему вниманию самые интересные факты о создании «Крика», отметившего вчера свое 20-летие.

Идея создания фильма пришла к начинающему сценаристу Кевину Уильямсону, когда тот услышал о преступлениях Дэнни Роллинга, изнасиловавшего и убившего нескольких студенток из города Гейнсвилл. «Однажды я увидел телепередачу, которая была посвящена Гейнсвиллскому потрошителю, — вспоминает Кевин. — Я был жутко напуган этой историей, и во время рекламного перерыва услышал в доме странный шум. Выйдя в гостиную, я увидел распахнутое настежь окно и испугался еще сильнее, поскольку не смог вспомнить, было ли оно открыто раньше. Я бросился на кухню, где сначала вооружился ножом, а затем принялся лихорадочно набирать номер своего доброго приятеля. Тот сразу спросил, не пересмотрел ли я ужастиков, но мне было совсем не до смеха. Всю ночь меня мучили кошмары, под влиянием которых в голову пришла идея начальной сцены фильма».

Уже на следующее утро Кевин написал 18-страничный рассказ о девушке, которая получает телефонный звонок от загадочного маньяка. Уильямсон намеревался переработать его во вступительный эпизод картины с названием «Очень страшное кино», но никак не мог придумать дальнейший ход развития событий. Спустя некоторое время он предпочел переключить свое внимание на сценарий ленты «Убить миссис Тингл». Уильямсон нашел на него покупателя, но не смог получить полный гонорар, так как проект вскоре угодил на полку. Чтобы как-то сводить концы с концами, Кевин оказался вынужден вернуться к истории о злодеяниях убийцы по прозвищу Призрачное лицо. В поисках вдохновения сценарист решил попробовать работать под саундтрек к знаменитому слэшеру «Хэллоуин». Эксперимент следует признать на редкость успешным, поскольку Уильямсону удалось дописать текст «Очень страшного кино» всего за какие-то три дня. Чтобы повысить шансы своего сценария на успех, Кевин решил сопроводить его набросками сюжета сразу двух потенциальных сиквелов.

Уильямсон довольно красочно описывал действия кровожадного маньяка, из-за чего его агенту даже показалось, что на сценарий с таким градусом жестокости не клюнет ни одна голливудская кинокомпания. Однако сюжет фильма оказался достаточно хорош, чтобы в борьбу за права на «Очень страшное кино» включились такие студии, как Paramount Pictures, Universal Pictures и Morgan Creek Productions. Одна ставка перебивала другую, и вскоре в претендентах на звание площадки для будущего хоррора остались только две компании. Одна из них предлагала больше денег, однако Уильямсон согласился продать свой сценарий за $400 тыс. студии Dimension Films. Все дело в том, что фирма Боба и Харви Вайнштейнов дала Кевину гарантию, что «Очень страшное кино» не повторит судьбу его предыдущего проекта. К слову, после того как сотрудничество с Уильямсоном обернулось успехом, боссы Dimension решили выкупить права на самый первый его сценарий. Лента «Убить миссис Тингл» вышла на экраны в 1999 году, но не сумела повторить успех фильма о серийном убийце в маске призрака.

Согласно одной из популярных версий, идея переименовать фильм пришла к братьям Вайнштейнам, когда они по дороге на работу услышали по радио песню Майкла Джексона "Scream". Однако новое название не произвело должного впечатления на многих актеров и членов съемочной группы. «Оригинальный тайтл тогда казался гораздо лучшим вариантом, — признался Джейми Кеннеди, сыгравший в фильме Рэнди Микса. — Просто представьте себе, как вы зовете друзей в кинотеатр: "Эй, не хотите посмотреть «Очень страшное кино»?"». Любопытно, что столь броское название затем использовали создатели комедийного фильма 2000 года, главным объектом пародии которого как раз и стали герои «Крика».

Когда Боб Вайнштейн внимательно перечитал первый вариант текста, он обнаружил, что на протяжении нескольких десятков страниц в нем никого не убивают. Тогда Уильямсону пришлось править не только титульную страницу, но и львиную долю сценария. «Боб позвонил мне и сказал: "Кевин, у нас в фильме может получиться большой отрезок времени, в течение которого на экране не будет ни одного трупа. Мне все равно, кто им станет, главное, избавься от одного из героев"», — вспоминает сценарист. Как мы теперь знаем, Кевин остановил свой выбор на директоре школы. Сценаристу удалось убить двух зайцев одним выстрелом: он не только выполнил пожелание Вайнштейна, но и нашел элегантный способ разрешить проблему с развязкой фильма. Начальный вариант сценария не слишком внятно объяснял причину ухода школьников с вечеринки. В исправленном тексте лишние герои решили покинуть дом Стью Мэйхера, чтобы взглянуть на тело директора.

Также Кевин долго не мог решить, имеет ли смысл объяснять причину помешательства маньяка. С одной стороны, отсутствие внятной мотивации делало антагониста еще более страшным. С другой стороны, сценаристу казалось, что публика имеет право получить ответы на свои вопросы. Разрубить Гордиев узел помогла идея задействовать в сюжете сразу двух убийц. Сценарист обозначил мотивы Билли Лумиса, но не стал давать вразумительного объяснения тому, почему за нож взялся Стью Мэйхер.

Братья Вайнштейны мечтали пригласить в режиссерское кресло фильма Уэса Крэйвена. К их разочарованию, постановщик предпочел ответить студии Dimension Films отказом. Крэйвен объяснил свое решение желанием дистанцироваться от жанра хоррора. После долгих лет работы над ужастиками Уэс был твердо настроен начать снимать фильмы, которые можно было бы смотреть всей семьей. В результате компания Dimension начала рассматривать кандидатуры Дэнни Бойла, Джорджа А. Ромеро, Сэма Рэйми и Роберта Родригеса.

Однако ни один из этих режиссеров не вызывал доверия у Кевина Уильямсона — сценариста смущало, что все претенденты на роль рулевого проекта планировали сделать акцент на комедийной составляющей сюжета. К счастью для придирчивого автора, постановкой фильма все-таки согласился заняться Крэйвен. Поклонники так часто признавались ему в любви к лентам «У холмов есть глаза» и «Кошмар на улице Вязов», что он предпочел не изменять принесшему ему мировую славу жанру. Окончательное решение взойти на борт «Крика» Уэс принял, когда узнал, что главную роль в картине намерена исполнить Дрю Бэрримор.

Дрю так понравился сценарий «Крика», что она сама вышла на его продюсеров. В те времена слэшеры было принято считать фильмами категории B, из-за чего многие кинозвезды старались обходить их стороной. Создателям хорроров приходилось приглашать к сотрудничеству малоизвестных артистов, но «Крик» помог наконец-то изменить эту традицию. Как только стало известно, что студия Dimension заполучила на роль Сидни Прескотт представительницу известной актерской династии, «Крик» стал одним из самых обсуждаемых проектов в Голливуде. В итоге при довольно скромном $14-миллионном бюджете его создатели смогли пополнить состав исполнителей сразу несколькими яркими звездами середины 90-х.

На роль Билли Лумиса претендовали Хоакин Феникс и Бен Аффлек, но эксперты по кастингу отдали предпочтение Скиту Ульриху. Немалую роль в их выборе сыграл тот факт, что актер был удивительно похож на молодого Джонни Деппа, сыгравшего у Крэйвена в «Кошмаре на улице Вязов».

Дэвид Аркетт изначально рассматривался на роль Лумиса, однако после прочтения сценария актеру захотелось сыграть Дьюи Райли. В тексте помощник шерифа описывался в качестве мускулистого мачо, но Крэйвену показалась интересной новая трактовка образа. Аркетт придал своему герою столько обаяния, что во время тестового просмотра «Крика» зрители оказались крайне разочарованы смертью Дьюи. Крэйвену пришлось пойти на поводу у фанатов и использовать в финале фильма запасной дубль, в котором полицейского отправляют в больницу.

Рэнди Микса могли сыграть Брекин Мейер и Джейсон Ли, однако постановщик настоял на кандидатуре Джейми Кеннеди, который сумел изрядно развеселить его во время финального раунда кинопроб. Образ Стью мог примерить Фредди Принц мл., а не Мэттью Лиллард. Удивительно, но последний попал в проект совершенно случайно. Однажды он решил проводить свою подругу на кинопробы в какой-то другой фильм. По счастливой случайности они проходили в том же самом здании, где просматривались актеры на роли в «Крике». Мэттью заприметила директор по кастингу Лиза Бич, которая посоветовала ему заглянуть на отбор в проект Крэйвена.

На роль журналистки Гейл Уэзерс студия хотела заполучить известную актрису. Эксперты по кастингу приглашали на пробы Брук Шилдс и Джанин Гарофало, но в итоге роль досталась Кортни Кокс. Интересно, что сначала продюсеры не рассматривали кандидатуру звезды ситкома «Друзья» (Friends) всерьез, полагая, что зрители будут ассоциировать актрису с образом добродушной Моники Геллер. Кортни удалось убедить Крэйвена, что она вполне способна сыграть беспринципную репортершу.

Когда до старта съемок фильма оставалось всего пять недель, его создателям пришлось в срочном порядке искать новую исполнительницу главной роли. Из-за форс-мажорных обстоятельств Дрю Бэрримор не смогла найти в своем съемочном графике несколько недель для работы над «Криком». Однако актриса уже успела настолько прикипеть к проекту, что решила предложить свою кандидатуру на роль Кейси Бейкер.

«Дрю неожиданно заявила, что хочет сыграть девицу номер один, — вспоминает продюсер Кэри Вудс. — Мы несказанно удивились, ведь Кейси должны были выпотрошить уже на восемнадцатой странице. Дрю ответила, что убийство ее героини даст зрителям понять, что в этом фильме никто не застрахован от смерти. При этом она любезно согласилась участвовать в рекламной кампании “Крика” так, словно оставалась нашей ключевой звездой».

Создатели фильма действительно продолжили строить промо-кампанию слэшера вокруг имени Бэрримор. Лицо актрисы занимало центральное место на постерах фильма, из-за чего зрители пришли в недоумение, когда ее экранное время ограничилось лишь 12 минутами. В результате «Крику» удалось повторить искусный трюк великого Альфреда Хичкока — в свое время тот позиционировал Джанет Ли в качестве основной звезды «Психо», а затем шокировал публику знаменитой сценой убийства в душе.

У продюсеров оставалось лишь несколько недель на то, чтобы найти новую исполнительницу роли Сидни. Они проводили переговоры с Риз Уизерспун, Бриттани Мерфи, Мелиссой Джоан Харт и многими другими актрисами, но Крэйвен решил остановить свой выбор на Нив Кэмпбелл. Режиссер мечтал поработать с ней еще с той поры, когда впервые увидел ее в сериале «Нас пятеро » (Party of Five). В итоге первая же главная роль в кинокарьере Кэмпбелл возвела ее в зал славы жанра хоррор.

Изначально работу над фильмом хотели вести в Ванкувере. Съемки в Канаде позволили бы компании Dimension сэкономить порядка $1 млн, но Уэс Крейвен считал, что только в Калифорнии он сумеет найти локации, характерные для типичного американского городка. Постановщику даже пришлось пригрозить покинуть проект, чтобы Вайнштейны наконец-то согласились развернуть площадку в США.

Любопытно, что маска Призрачного лица была абсолютно случайно обнаружена командой ужастика во время поиска съемочных локаций. Она висела на стене дома, предназначенного для съемок интерьерных сцен. Фотография находки в срочном порядке была отправлена боссам кинокомпании. Вскоре фильммейкеру пришел ответ, что бутафорам «Крика» придется несколько изменить ее внешний вид, чтобы студия не получила иска о нарушении авторских прав, но в целом она пришлась очень к месту.

Работа над несколькими сценами должна была проходить на территории старшей школы калифорнийского города Санта-Роза. Когда до съемок оставались считанные дни, попечительский совет учебного заведения неожиданно разорвал сделку с создателями ленты. Члены правления школы считали, что речь идет о комедии, однако стоило им прочесть сценарий «Крика», как они обнаружили в нем слишком высокий уровень насилия. Команде Крэйвена пришлось экстренно переносить съемки в общественный центр Сономы. На стадии монтажа специальную секцию для благодарностей в финальных титрах украсила фраза «Создатели фильма не выражают признательность попечительскому совету школы города Санта-Роза».

Поскольку Дрю Бэрримор не могла посвятить работе над «Криком» много времени, Крэйвен предпочел начать съемки со вступительного фрагмента фильма. Все сцены с участием актрисы были сняты всего за пять дней.

Голос Призрачному лицу подарил тогда еще малоизвестный актер озвучания Роджер Л. Джексон. Изначально планировалось, что его услуги понадобятся исключительно на съемочной площадке фильма. Продюсеры намеревались дублировать маньяка на стадии постпродакшн, однако Роджер так успешно вжился в образ, что создателям картины не пришлось искать ему замену. Крэйвен не хотел, чтобы участники основного актерского состава ассоциировали голос Гоустфейса с конкретным человеком, из-за чего Джекcону приходилось держаться в стороне от своих коллег. Общение Бэрримор с Роджером происходило в режиме реального времени, поскольку постановщику казалось, что использование заранее записанных фраз негативно скажется на правдоподобности сцены телефонного разговора с убийцей.

Погоня за реалистичностью едва не сыграла с создателями проекта злую шутку. Во время работы над вступительной сценой телефон был подключен к линии, благодаря чему к местным операторам службы 911 поступил звонок от испуганной Дрю Бэрримор. Актриса оказалась столь убедительна, что на место съемок фильма решили незамедлительно выслать полицейский наряд.

Чтобы Дрю все время выглядела испуганной и заплаканной, в перерыве между дублями Крэйвен специально затрагивал в разговорах самые больные для нее темы. Уэс быстро понял, что слабым местом актрисы является любовь к животным. Находчивый режиссер рассказывал Бэрримор какую-нибудь душещипательную историю о братьях наших меньших, после чего со спокойным сердцем давал команду «Мотор!».

Создатели «Крика» приняли решение полагаться на практические эффекты, а не на компьютерную графику. Команде фильма и студии KNB Effects пришлось проявить смекалку, чтобы успешно снять несколько крайне сложных сцен. Например, в прологе маньяк должен был повесить Кейси на дереве, и для этого эксперты по спецэффектам решили задействовать анатомическую модель тела Дрю Бэрримор.

Стиль олдскул помог авторам «Крика» решить еще одну сложную задачку. Кейси должна была увидеть своего бойфренда, из живота которого выпали внутренние органы. Мастера из компании KNB Effects соорудили специальный стул без спинки, за которым мог спрятаться актер Кевин Патрик Уоллс. После этого мастерам по визуальным эффектам осталось лишь усадить на сиденье искусственные ноги и торс.

Видео со съемок вступительной сцены фильма попало на стол Бобу Вайнштейну, который счел маньяка недостаточно страшным. Он потребовал от Крэйвена сделать тестовый фрагмент с использованием семи других видов масок. Съемочная группа отказалась идти на эти условия и даже пригрозила остановить работу над фильмом. Крэйвен сумел убедить студийных боссов дать ему возможность продемонстрировать черновой вариант отснятого материала. Пролог фильма оказался достаточно убедителен, чтобы Вайнштейны заключили сделку с компанией Fun World, благодаря которой Уэс смог использовать оригинальный дизайн маски.

В своем сценарии Уильямсон не давал подробного описания костюма Призрачного лица. Сначала команда проекта хотела, чтобы убийца в полной мере оправдывал свое прозвище, и костюмеры пошили белый балахон, однако в нем маньяк сразу же начал походить на члена ку-клукс-клана. Идею использовать черный костюм подала продюсер Марианн Маддалена, которая справедливо решила, что темный цвет материи не только не вызовет у зрителей нежелательных ассоциаций, но и сделает образ Гоустфейса гораздо более зловещим.

Хотя сегодня маньяка называют Призрачным лицом, в обиход могло войти совершенно иное прозвище. Во время разговора с шерифом Дьюи показывает упаковку с костюмом убийцы, на которой можно увидеть надпись Father Death. Поклонники фильма предпочли использовать кличку, которой злодея наградила Татум Райли. Во время сцены в гараже героиня Роуз МакГоун сказала: «Пожалуйста, не убивайте меня, мистер Гоустфейс. Я хочу попасть в сиквел».

За все время съемок костюм маньяка удалось поносить лишь одному актеру основного состава фильма. Счастливчиком стал Скит Ульрих, который попросил Крэйвена дать ему сняться в сцене, когда убийца подкрадывается к Рэнди. В остальных случаях костюм практически всегда носили профессиональные каскадеры. Редким исключением стал фрагмент, в котором Кейси бьет маньяка телефоном по голове. В тот раз костюм решил надеть сам Уэс Крэйвен. Интересно, что режиссер снялся в еще одной сцене — он мелькнул на экранах в образе школьного уборщика, нарядившегося в фирменный свитер Фредди Крюгера.

В свое время Уэс снял первый «Кошмар на улице Вязов», но был вынужден продать права на франшизу еще до выхода фильма на экраны. Его дальнейшее участие в создании киносерии ограничилось работой над сценарием третьей части и постановкой седьмой. «Крик» подарил ему возможность высказать свое мнение о тех картинах, которые были сняты без его помощи. Проводником идей режиссера стала героиня Дрю Бэрримор, которая во время разговора с маньяком заявила, что сиквелы «Кошмара на улице Вязов» были ужасно плохи.

Авторы слэшера крайне умело высмеивали всевозможные жанровые клише, но при этом не забывали оставлять многочисленные пасхалки для знатоков кинематографа. В одной из сцен Татум говорит Сидни, что та начинает вести себя словно персонаж фильмов Уэса Карпентера. Таким нехитрым способом «Крику» удалось одновременно отдать дань почтения сразу двум легендам мира хорроров — Джону Карпентеру и самому Крэйвену.

На съемках ленты в целях безопасности использовались складные и резиновые ножи, однако работа над одной из сцен едва не завершилась серьезной производственной травмой. Для момента, когда Сидни наносит Билли уколы зонтиком, на грудь Скита Ульриха крепилась специальная мягкая подушка. Во время второго удара острие скользнуло по ней и проткнуло актеру кожу. В десятилетнем возрасте Ульрих перенес операцию на сердце, после которой у него на груди остался болезненный рубец. Хотя рана оказалась не слишком серьезной, укол принес Скиту адскую боль. Именно этот реалистичный дубль попал в финальную версию монтажа.

Поскольку гулянка в доме Стью проходила вечером, съемочная группа была вынуждена работать только в темное время суток. По этой причине производство эпизода растянулось на долгие три недели. В последний день работы члены команды Крэйвена даже получили в подарок футболки с надписью «Я пережил съемки сцены 118». Впоследствии актеры «Крика» шутили, что та вечеринка оказалась самой долгой ночью в истории хорроров.

На съемках Крэйвен не требовал, чтобы актеры строго придерживались сценария. Особым талантом к импровизации отметился Мэттью Лиллард, благодаря которому текст «Крика» быстро растащили на цитаты. Неожиданная фраза «Мама и папа на меня разозлятся» в сцене телефонного разговора с Сидни показалась режиссеру настолько забавной, что он решил оставить ее в фильме. Не стал Уэс переснимать и тот дубль, когда Стью обнаружил исчезновение пистолета со словами: «Хьюстон, у нас есть проблема».

Благодаря талантам актеров и работников за кадром «Крик» быстро оброс импровизационными сценами. К примеру, когда Рэнди смотрит «Хэллоуин», он обращается к героине Джейми Ли Кертис: «Обернись, Джейми!». При этом он, работник видеопроката, сам не замечает, как к нему подкрадывается маньяк. Особый комизм ситуации придал тот факт, что исполнителя роли Рэнди зовут Джейми Кеннеди.

Текст финального репортажа Гейл Уэзерс дописывался прямо на съемочной площадке. Хотя у Кортни Кокс практически не было времени на подготовку, она смогла справиться со своей задачей всего за два дубля.

Не было в первоначальном тексте Кевина Уильямсона и сцены с лазом для животных. Изначально Татум должна была умереть после того, как на ее голову обрушилась гаражная дверь. Идею заставить героиню Роуз МакГоун попытаться спастись бегством через ход для домашних животных подал один из ассистентов сценариста. Кстати, сама актриса вполне могла бы избежать участи своей экранной героини: во время съемок она обнаружила, что способна протиснуться в эту небольшую дверцу.

Чтобы Роуз случайно не упала с приличной высоты, съемочная команда фильма прикрепила ее одежду к гаражной двери. Работа над сценой затянулась, из-за чего актрисе пришлось провисеть в воздухе пару часов. Несмотря на то, что за это время МакГоун расцарапала себе все руки, после окончания съемок она призналась, что никогда прежде не получала столько удовольствия от своей работы.

Особую зрительскую любовь приобрела и развязка фильма, в которой Крэйвен раскрыл один из главных секретов создателей ужастиков. Билли признается Сидни, что они со Стью использовали кукурузный сироп, чтобы инсценировать нападение маньяка. Именно кукурузный сироп часто используется в кинопроизводстве для создания искусственной крови. На съемках самого «Крика» было пролито более 150 литров специально приготовленной ярко-красной жидкости.

Американская ассоциация кинокомпаний (MPAA) добрый десяток раз отказывалась присваивать «Крику» возрастное ограничение R. Уэс Крэйвен вырезал из фильма одну кровавую сцену за другой, однако его детище все равно оценивали на рейтинг NC-17. Одним из главных камней преткновения был момент расправы над Кейси Бейкер. Крэйвен решил соврать MPAA, что у него на руках попросту нет других дублей, и в конечном итоге в дело пришлось вмешаться Бобу Вайнштейну. Когда режиссер спросил у продюсера, как ему удалось обеспечить ленте рейтинг R, тот заявил, что всего лишь попросил членов Ассоциации рассматривать «Крик» в качестве комедии, а не ужастика.

Компания Dimension решила отказаться от идеи выпустить картину на экраны в традиционный для хорроров Хэллоуин. Вместо этого премьера «Крика» состоялась перед Новым Годом, когда в прокат обычно выходят семейные фильмы. В стартовый уикенд любители ужастиков не слишком охотно поддержали ленту Крэйвена. За первые дни на экране «Крик» заработал немногим более $6 млн, из-за чего студия даже начала сомневаться, удастся ли ей окупить затраты на его производство и рекламу. Однако уже вскоре о проекте распространилась добрая молва, благодаря чему он смог показать отличную выносливость в прокате. Достаточно лишь сказать, что во многих кинотеатрах страны зрители продолжали кричать от ужаса еще долгие восемь месяцев.

Свой путь в мировом прокате «Крик» завершил со $173 млн, что позволило ему занять 15-е место в списке самых кассовых фильмов 1996 года.

Испугай меня еще раз, да посильнее

Ремейки, ребуты, спин-оффы, сиквелы и приквелы — не просто модные англицизмы, но и то, что в некоторой степени захватило современные кинотеатры. Истории продолжаются, переписываются, возрождаются — все на радость ностальгирующему зрителю и продюсерскому кошельку. Тенденция не проходит и мимо жанра хоррор, чего стоят одни только голливудские ремейки японских ужастиков.

Что произойдет с недавно отправленным в работу проектом Макса Лэндиса «Американский оборотень в Лондоне», покажет время. Продолжение одноименного фильма его отца, «Американский оборотень в Париже», не принесло ожидаемого успеха, хотя оригинал прославился революционными по тем временам спецэффектами и первым «Оскаром» в номинации «Лучший грим».

А пока редакция LostFilm.INFO решила вспомнить некоторые не менее легендарные фильмы ужасов, тоже переснятые в наше время. Посмотрим, так ли справедлив тезис о том, что ремейк — лишь жалкая копия оригинала?..

Вариаций и интерпретаций у сюжета о кровожадном графе, конечно, множество, и мы не забываем о самой первой и все еще легендарной версии с мрачным гением Белой Лугоши или фильме с великолепным Кристофером Ли. Поздневикторианская эстетика вкупе с насилием, сексом, страстями и любовью всегда притягивала любителей ужасающих и очаровывающих историй.

Однако сегодня мы отдадим дань прекрасному, овеянному мрачной романтикой «Дракуле» 1992 года от мастера Френсиса Форда Копполы с Гэри Олдманом в роли влюбленного графа-вампира. Пожалуй, и сегодня эту картину можно назвать одной из лучших в числе снятых по мотивам готического романа Брэма Стокера. Неслучайно режиссер дал своей экранизации название «Дракула Брэма Стокера», подчеркнув близость к оригиналу. И действительно, его версия считается наиболее последовательной интерпретацией знаменитого сюжета, а многим поклонникам кажется даже более удачной, нежели первоисточник. Все-таки Коппола вместе со сценаристами и притягательным Олдманом обогатили историю, добавив живости, романтики и большей человечности образу графа. Спецэффекты до сих пор смотрятся качественно, дополняя мрачную и при этом до предела эротизированную атмосферу фильма.

Как подтверждение качества, по крайней мере внешней составляющей, — статуэтки от Киноакадемии за «Лучшие костюмы», «Лучший монтаж звука» и «Лучший грим».

Вспомним также сериал «Дракула» (Dracula) от канала NBC с обворожительным Джонатаном Риз Майерсом в роли американского предпринимателя, приехавшего в викторианскую Англию с целью провести там электрификацию, разрушить почти масонский заговор и, конечно же, вернуть свою возлюбленную. ТВ-адаптация — тоже не ремейк, а вполне самостоятельное и оригинальное произведение, получившее хорошие оценки от критиков и зрителей, но не оправдавшее ожиданий канала, который не продлил сериал на второй сезон.



Еще один киносюжет об оборотне возник на волне популярности подобной тематики ближе к середине прошлого века. «Человек-волк» Джорджа Ваггнера — классика фильмов ужасов о заражении и борьбе с нечистой силой. В отличие от большинства современных фильмов, делающих акцент на экшене, в центре сюжета этой картины оказались страдания главного героя, вынужденного принимать нечеловеческий облик против своей воли. И если ранее готика пугала старинными замками и заброшенными гробницами, то после просмотра «Человека-волка» зрителю следовало избегать темных лесов, освещенных полной луной. Некоторые по поводу выхода фильма в знаковом 1941-м провели параллель с тем, что именно этот год можно назвать сумерками человечества и началом мрачного перевоплощения человеческого существа в жестокое неуправляемое животное.

«Человек-волк» — пятый титан Universal, один из тех, кто наряду с тем же Дракулой попадет в будущий кроссовер новой киновселенной.

«Человек-волк» 2010 года знаменитого Джо Джонстона со звездами первой величины — Бенисио дель Торо, Энтони Хопкинсом и Эмили Блант — как попытка Universal возродить сюжет, несмотря на состав участников, оказался провальным. Хотя именно современный ремейк получил премию «Оскар» за «Лучший грим». Грим там и впрямь жутковатый и очень натуралистичный. В то же время и ругать сильно ремейк не хочется — английский аристократ-оборотень в Лондоне у испанца дель Торо получился убедительным, но желая почтить память легендарного фильма, создатели как-то упустили собственный почерк и скатились в банальность. С неудачей в том числе этого сольного проекта связано желание кинокомпании обновить франшизы.



Еще один сюжет о страшных превращениях можно найти в необычном фильме ужасов «Муха» 1958 года с Дэвидом Хедисоном в роли ученого, ставшего жертвой собственного эксперимента. Правда, на протяжении почти всего действия картины зритель довольствуется его закрытым огромной маской лицом: Андрэ Деламбре борется с ужасными последствиями случайной ошибки, медленно превращаясь в омерзительную муху. Нойманну на основе одноименной новеллы Джорджа Лангелаана удалось вполне кафкианский сюжет поместить в рамки фильма ужасов, и получилось у него это на высоте: «Муху» ждал кассовый успех. К сожалению, сам режиссер не дожил до выхода картины в кинопрокат.

«Муха» великого и ужасного Дэвида Кроненберга — один из тех ремейков, что обрели даже больший успех и признание, чем оригинал. Режиссера вполне можно назвать философом ужасов. Его герои и в будущем мучаются вопросами самоидентификации и страдают психическими перверсиями. Однако именно «Муха» — и по сей день самая популярная и кассовая его работа, выполненная по заказу XX Century Fox на волне пересмотра старых сюжетов с помощью новых технологий.

Версию Кроненберга можно назвать мелодрамой ужасов, так как линия взаимоотношений трансформирующегося ученого с возлюбленной выходит здесь на один из первых планов. Мастерство Дэвида в изображении кошмара зашкаливает: от некоторых наиболее натуралистичных сцен и впрямь хочется отвернуться и совсем не из-за бу-эффекта. Работу визуализации ужасного по достоинству оценили и киноакадемики — статуэткой «За лучший грим».



От мистических превращений перейдем к более дьявольским наворотам. «Ребенок Розмари» по свежему на тот момент роману Айры Левина от польского режиссера Полански сразу в 1968-м стал классикой жанра. В фильме затрагиваются проблемы оккультных организаций и грядущего пришествия Антихриста. По сюжету, после странного видения у недавно забеременевшей Розмари Вудхауз закрадываются сомнения, будто подозрительные соседи втянули ее в какой-то страшный культ. Бледная и худая Миа Фэрроу смотрится безупречно в роли жертвы, но «Оскар» тогда взяла Рут Гордон — за второстепенную роль маниакальной до ужаса соседки. Фильм подкупает не только все более гнетущей обстановкой, но и психологизмом. При этом со своим исследованием вопроса об иллюзорности происходящего «Ребенок Розмари» не совсем типичен для хоррора. В нем определенно есть элементы триллера и семейной драмы.

В 2014-м изобретательные телевизионщики канала NBC решили перенести известную историю на маленькие экраны, сняв ремейк. Мини-сериал «Ребенок Розмари» (Rosemary's Baby) с Зои Салданой в главной роли выполнен с уважением к создателю оригинальной экранизации. Действие переносится из Нью-Йорка в Париж, Розмари меняет цвет кожи.

Стилистически сериал оскароносной Агнешки Холланд снят в модных нынче тенденциях, сам сюжет, разворачивающийся вокруг беременной женщины, не может не привлечь внимание в наше время, и, что самое главное, он вдохновляет на повторный просмотр шедевра Полански.



«Омен» Ричарда Доннера шедевром, может, и не назовешь, но образцом в своем жанре — вполне. История о мальчике Дэмиене, пришедшем в человеческом облике Антихристе, до боли проста и знакома. Наверное, не придумали кинематографисты еще более изощренного чисто психологически ужаса, чем образ демона во плоти ребенка. Сама идея, что дитя может представлять собой исчадие ада, кажется кощунственной и страшной, несмотря на то, что у некоторых родителей она встретит лишь понимание.

Магия фильмов, подобных оригинальному «Омену», заключается в том, что будь вы верующим человеком или атеистом, сила кино заставит вас полностью включиться в происходящее и воспринять его с полной серьезностью. Сейчас зрители уже не отличаются такой чувствительностью, а вот на премьере этого хоррора у нескольких человек в зале случился инфаркт. Важной составляющей картины является мрачная музыка Джерри Голдсмита, получившего премию «Оскар» за «Лучший оригинальный саундтрек». На волне успеха «Омен» быстро разросся до тетралогии, но уже в обновленном составе.

Как и оригинал, «Омен» 2006 года вышел на широкие экраны 6 июня. Год выхода добавил еще одну дьявольскую шестерку, что составило картине хороший пиар. Фильм Джон Мура, очень и очень близкий к оригиналу, не поражает воображение, но демонстрирует, что копия, несмотря на свою вторичность, может вполне отвечать духу времени и, по крайней мере, порадовать стилистически. Своего рода пасхалкой и украшением нового варианта является Миа Ферроу в роли дьявольской гувернантки.



«Сонная лощина» мастера готики, ужасов и фэнтези Тима Бертона — безусловный шедевр. Рекордсмен по количеству обезглавливаний, этот фильм, кажется, безупречен. А то, что он снят лишь по мотивам рассказа американского классика Вашингтона Ирвинга, идет ему только на пользу. Сочетание детектива, фэнтези, мрачных декораций, декаданса, жестокости, любви, интриг и иронии, приправленное фирменным стилем режиссера-выдумщика, создает неповторимый коктейль. Его вкус обжигает, но одновременно им хочется наслаждаться. Тогда тандем Бертон-Депп обещал большее, чем в последнее время, ну а Кристофер Уокен, даже не взявший гонорара за свою роль, был как всегда демонически неотразим. Художника-постановщика готического хоррора Киноакадемия не обошла вниманием, наградив заслуженной премией.

В успешном проекте от телеканала Fox «Сонная лощина» (Sleepy Hollow) воскресшему из мертвых Икабоду Крэйну помогает привлекательная девушка-полицейский. Герои обнаруживают сети заговоров, сталкиваются с нечистыми силами и борются со всадниками Апокалипсиса. От Ирвинга здесь остались только имена, от Бертона тоже немногое. Но свою нишу среди мистических сериалов шоу успешно заняло, порадовав зрителя уже тремя сезонами и получив продление на четвертый.

15 фильмов, где все сложно

Представляем вашему вниманию подборку фильмов, в которых с разных сторон описываются проблема полов и сложности взаимоотношений. У героев этих лент, будь то драма, триллер или просто легкая комедия для девушек, есть много общего. Все они приходят к тому, что любовь приносит страдания и боль, и все попытки построить отношения проваливаются. На первый план выходит тема одиночества, которое воспринимается персонажами как некое освобождение и облегчение.

Эта подборка пригодится убежденным одиночкам, а также людям, у которых в статусе значится «все сложно».

Эта комедия отлично подойдет тем, кто только начал осознавать себя вне отношений. Недавно порвавшая со своим парнем Элис (Дакота Джонсон) начинает покорять Нью-Йорк с новыми силами. Устроившись на работу в юридическую контору, она знакомится с дикой авантюристкой Робин (Ребел Уилсон). Новая подруга заставляет Элис подняться над своими отношениями с мужчинами, а не увязать в них, как в болоте. А достичь этого можно с помощью ночных тусовок, беспорядочных связей и кутежа.

Дженни (Кэри Маллиган) — умная и талантливая 16-летняя девушка, планирующая поступать в Оксфорд. Но неожиданно в ее жизнь вторгается Дэвид (Питер Сарсгаард). Он намного старше нее. Шикарные рестораны, джазовые концерты, Париж на выходные, шик и гламур сбивают юную героиню с толку. Выясняется, что Дэвид тот еще пройдоха, и даже может позволить себе преступить закон. Но Дженни и ее родители абсолютно очарованы им. Вскоре следует предложение руки и сердца, и университет отходит на второй план, как ненужный этап до удачного замужества. Дженни бросает престижную школу, но в конце концов становится ясно, что у жениха уже есть семья и ребенок. Главной героине приходится сильно потрудиться, чтобы вернуться к обучению, поступить в Оксфорд и начать жить жизнью обычной студентки.

Фильм вызовет отклик у любого, кому когда-либо приходилось разрывать мучительные и бесперспективные отношения. Главный герой Том (Джозеф Гордон-Левитт) рефлексирует по поводу окончания его летнего романа с Финн (Зои Дешанель), в которую он безумно влюбился. Фильм транслирует нам светлую грусть, но при этом он очень легкий, веселый и на удивление мудрый.

Лола (Грета Гервиг) вот-вот выйдет замуж за своего давнего бойфренда Люка (Юэль Киннаман). Но неожиданно он ее бросает. С помощью друзей Лола пытается жить дальше, несмотря на разбитое сердце. Она раз за разом принимает неверные решения. То она становится одержима мыслями о своем бывшем, то спит не с теми мужчинами. Такое ощущение, что этот разрыв Лола использует как оправдание своему невменяемому поведению. Лола становится абсолютно замкнутой и занимается саморазрушением, а долгожданное прозрение у нее случается только к финалу картины.

«Вестсайдская история» бесспорно полна романтики, музыки и любви, но ее конец весьма печален. По сюжету, две конкурирующие городские банды вступают в открытое противостояние. Когда знаменитые влюбленные Тони (Ричард Беймер) и Мария (Натали Вуд) пытаются прекратить кровопролитие, дела принимают совсем дурной оборот. В подобной ситуации многие бы предпочли и вовсе не влюбляться.

Дэн (Хит Леджер), беспечный поэт и героиновый наркоман, влюбился в молодую художницу Кэнди (Эбби Корниш). Очарование Дэна затягивает Кэнди в вихрь романтики... И зависимости. Этот фильм может заставить вас мечтать об одиночестве. Кроме того, он способен навсегда удалить из головы зрителя мысли об экспериментах с наркотиками, особенно если посмотреть его в нужное время.

Представьте, что вас навязчиво принуждают найти себе партнера. Именно это и происходит с главным героем Дэвидом (Колин Фаррелл) в антиутопии «Лобстер». Тех, кто не справляется, превращают в животное на выбор и выпускают в естественную для данного вида среду. Эта циничная лента о мотивах выбора себе партнера наверняка придется по душе всем, кто когда-либо задавался вопросом «ну почему он (она)?!».

Главные герои — двое мужчин и женщина. Исходя из этого можно было бы предположить, что в фильме будет много романтики, ревности и сексуальное напряжение. Но «Из машины» далеко не классическая любовная история, ведь главная героиня Ава (Алисия Викандер) — робот. Фильм на самом деле немного пугающий, если взглянуть на него с точки зрения динамики отношений создания и творца. Кроме того, стоит задуматься о том, что машины могут победить человечество не только своим интеллектом...

Сюжет этой классической картины вращается вокруг прерванного войной романа Рика (Хамфри Богарт) и Ильзы (Ингрид Бергман). Но все же это не любовная история. В ней мало романтических моментов, куча ретроспективных кадров и даже немного комедии. Но все это заставит вас сопереживать героям, которые осмелились влюбиться в то время, как весь мир рушится.

Мораль этой классики 90-х — никогда не влюбляйся, ведь любовь всей твоей жизни может умереть. А в жизни главной героини Молли (Деми Мур) начинают происходить чертовски странные вещи, и это окончательно выбивает ее из колеи. Молли кажется, что ее покойный возлюбленный Сэм (Патрик Суэйзи) превратился в призрака и теперь лепит с ней глиняные горшки.

Забудьте о любви. Она слишком непредсказуема и сложна. Все, что вам нужно, — это лучший друг. Он всегда вас прикроет, споет вам песню посреди ресторана и придет на выручку, когда вы пьете в одиночестве на чужой свадьбе.

Когда зритель наблюдает за развитием отношений Клариссы (Джоди Фостер) и доктора Ганнибала Лектера (Энтони Хопкинс), он испытывает по меньшей мере неловкость. Да, между ними есть взаимное влечение, и отрицать его нельзя, но оно очень извращенное. Так что, даже если очень хочется, никогда не связывайтесь с серийным убийцей.

Если уж вы собрались посмотреть «Убить Билла», то поверьте — вы посмотрите оба фильма. Душераздирающая история Беатрикс (Ума Турман), которая жестоко мстит за испорченную свадьбу своему бывшему и его дружкам, мало кого может оставить равнодушным.

Это динамичный фильм с феминистским настроем не допускает никакой романтической ерунды между двумя безбашенными, ищущими свободы лидерами Максом (Том Харди) и Фуриосой (Шарлиз Терон). При этом они явно из тех, у кого все сложно — не только в отношениях с противоположным полом, но и в целом по жизни.

Фильм жестоко высмеивали, даже пытались саботировать этот почти полностью женский ремейк, однако среди моря критики было и много положительных рецензий. Что касается темы нашего обзора, то представленная в этой картине команда девушек является наглядным примером того, как можно грамотно сублимировать свою сексуальную энергию в работу. Если у тебя «все сложно», это еще не повод опускать руки, ведь вокруг происходит так много интересного...

Источник: BuzzFeed

Меняющий реальность. Как Филип Дик Голливуд кормит

Современное кино щедро на ремейки и сиквелы. Вот и культовый фильм Ридли Скотта «Бегущий по лезвию» ждет своего продолжения от канадца Дени Вильнева в следующем году. Поклонники неповторимого нуара и киберпанка «Бегущего» одновременно и рады продолжению истории, и обеспокоены возможностью провала.

Именно «Бегущий» принес славу (хоть и уже посмертно) одному из самых странных и плодовитых фантастов XX века — Филипу Киндреду Дику. Автор более 30 романов и 110 рассказов, он вдохновил своим творчеством, образами и идеями не один десяток режиссеров. Оно и неудивительно: сюжеты фантаста в основном динамичны, воссоздаваемые миры будущего и других измерений невероятно причудливы, а образы персонажей вызывают комплекс эмоций от восхищения до отвращения. Какими-то нитями он явно был связан с другими реальностями: многие из его поздних романов воспринимаются как откровения и некоторого рода предсказания.

Этому удивительному писателю сегодня и посвящен новый путеводитель по кино от LostFilm.INFO, и расскажем мы не только об экранизациях, но и о проектах, снятых под влиянием идей и творчества Дика.

Фильм-легенда Пола Верховена с молодым Шварценеггером, в 1991-м получивший «Оскара» за особые достижения, и сейчас смотрится вполне впечатляюще. Пожалуй, это одна из наиболее удачных интерпретаций Дика: его стиль узнается моментально. Не обошлось, конечно, и без расширения сюжета, ведь оригинальный рассказ «Из глубин памяти» представляет собой нечто вроде наброска из резких сюжетных поворотов. Это рассказ-трюк об офисном клерке, мечтающем о путешествии на Марс, однако решающем взамен реального, но труднодостижимого опыта просто имплантировать себе несуществующее воспоминание, благо технологии позволяют. В киноверсии главный герой в исполнении могучего и одновременно милого в своей наивности Шварценеггера из клерка превратился в рабочего на стройке, уставшего от механической физической работы. Что происходит с ним дальше — это снятие покровов, личностное откровение и попытка отличить реальность от встроенной фантазии.

Параноидальный стиль фантаста Верховен, безусловно, приправил собственными ингредиентами: юмором, яркими сценами насилия и сексуальностью на грани жестокости (не обошлось без любимой им коварной Шэрон Стоун). Проект, изначально прорабатываемый Дэвидом Кроненбергом, демонстрирует хорошие знания диковских текстов. Бессмысленный и беспощадный бизнес по продаже воздуха на колонизированном Марсе выглядит вполне убедительно, а сам Марс — одновременно пугающе и притягательно, как и завещал Филип Киндред.

В самой технике манипулирования памятью современный зритель с легкостью угадает знаменитую работу французского режиссера Мишеля Гондри «Вечное сияние чистого разума». Почерк сценариста Чарли Кауфмана можно назвать «постдиковским», так как идеи многих его работ ощутимым образом связаны с творчеством легендарного фантаста. Это и «Быть Джоном Малковичем» о множестве одинаковых сущностей, и «Адаптация», и «Нью-Йорк, Нью-Йорк». «Вечное сияние», в котором идея игр с памятью становится основой для трогательных размышлений о природе любви, конечно, заслуживает статуса жемчужины его творческой коллекции. И хотя этот фильм в полной мере нельзя назвать экранизацией какой-либо из книг Дика, но авторство оригинальной идеи принадлежит именно ему.

Еще один фильм, вышедший из колыбели Дика, — это «Матрица» бывших братьев, а теперь уже сестер Вачовски. Писателя всю жизнь преследовало ощущение иной реальности, контролирующей человеческий мир. Он не единожды выразил эту идею в своих произведениях, например, в раннем романе «Око небесное» 1957 года. В первую очередь идея «мира матрицы» была связана для Дика с противопоставлением koinos kosmos (внешнего мира) и idios kosmos (мира внутреннего) Гераклита. Внутренний мир каждого человека — отдельная вселенная и неповторимое сознание, следовательно, мы окружены мультивселенными. Внешний же мир и есть та матрица, что объединяет множество человеческих сознаний.

Ближе всего к «Матрице» позднее творчество Филипа, когда он уже окончательно погрузился в мрак снизошедшего на него религиозного откровения. Легендарный и один из лучших его романов — «Убик» 1969 года — яркий тому пример. Писатель изобразил виртуальный мир, что питается угасающим сознанием полуживых людей. Жители же сего мира и не подозревают, что, в отличие от кажущейся им реальности, на самом деле их мертвые тела погружены в пластиковые гробы, а души подключены к внешнему миру неким «переносным носителем».

Узнаваемая картина из «Матрицы», не правда ли? После знакомства с творчеством Дика, а оно у многих современных читателей происходит уже после первого просмотра нетленки Вачовски, удивляешься еще больше: все это писатель уже видел лет за 40 до трилогии об избранном Нео. Правда, плагиатом здесь и не пахнет: режиссеры не раз восхищались творчеством автора, а в свои киноленты добавили и множество других его идей. При этом одна из самых известных сцен фильма, где Морфеус ставит Нео перед выбором, уже отсылает к картине Верховена, где перед таким же выбором оказывается герой Шварца, который разрешает вопрос более оригинальным способом, нежели Нео.

Упомянув «Матрицу», нельзя не сказать об относительно новой фантастической драме «Меняющие реальность» с Мэттом Деймоном и Эмили Блант, чьи герои в борьбе за свою любовь действуют против системы. Именно в рассказе 1954 года «Бюро корректировки», по мотивам которого и снимался фильм Джорджа Нолфи, главный герой становится свидетелем изменения или, на канцелярите, корректировки реальности. Ему это, правда, даже оказывается на руку и позволяет избавиться от любопытной и назойливой сами-догадайтесь-кого.

Но динамичный и качественный фильм Нолфи создан именно по мотивам: хоть здесь и выступают на первый план вполне диковские идеи о свободе воли, главной все же становится романтическая линия, что значительно снижает философичность картины.

Творчество американского фантаста характеризуют разными терминами — от киберпанка и антиутопии до психоделики. Некоторые же его произведения можно причислить к speculative fiction («литературе размышлений»). Например, к такому направлению близок рассказ «Особое мнение», где писатель заглядывает в Вашингтон 2054 года — в дивный новый мир, в котором перестали убивать. Технология предсказаний ближайших преступлений для их предотвращения работает за счет искаженного наркотиками сознания странных мутантов. Начальник отдела предпреступлений Джон Андертон получает предсказание, согласно которому в течение короткого времени должен будет убить совершенно незнакомого ему человека.

Команда фильма 2002 года внушает доверие: Том Круз прекрасно справляется со своим лучшим амплуа — человека в бегах, а Спилберг искусно «воссоздает» футуристические пейзажи. Правда, некоторые моменты этого будущего уже вполне применимы и к нашему настоящему, что привычно для провидческих произведений Дика. Если сравнивать экранизацию с оригиналом, то на уровне сюжета между ними остается не так уж много общего: с диковского конфликта полиции и армии режиссер смещает акцент на личные мотивы персонажей и в целом расширяет сюжетное пространство небольшого рассказа, что, в принципе, только идет ему на пользу. Но проблема остается общей — метафизической и этической: что есть предопределение, и наделен ли человек свободой воли? Может ли он, зная свое будущее, изменить судьбу и переломить ход событий? Все-таки, несмотря на довольно мрачную атмосферу многих своих произведений-фантазий, здесь можно заметить, что Филип Дик верил в разум человека и его возвышение над новыми технологиями, пусть и упрощающими жизнь.

Роман, по которому в 2006 году снял свою весьма оригинальную картину Ричард Линклейтер, — это психоделическое погружение в разрушающееся сознание наркомана. О Дике говорили: либо он употреблял наркотики и был просто талантливым писателем, либо все его трипы — плод гениального ума и воображения. Не будем слишком вдаваться в подробности, но, несмотря на поздние опровержения самого писателя, факт литературного марафона (написал 11 романов за пару лет) с помощью амфетаминов никто не отменял. Это, правда, ничего не говорит о том, гений ли Филип или просто талант — оставим этот вопрос для дискуссионных клубов. Одно здесь верно точно: с разрушительным влиянием наркотиков на сознание и личность Дик был знаком лично — как по своему опыту, так и по опыту своих знакомых. Им и их загубленным жизням и посвящена книга о странном тайном агенте Бобе Аркторе из отдела по борьбе с наркотиками. На какое-то достаточно неприятное время ни ему, ни читателям не будет понятно, кто он такой и против кого работает.

Примечательно, что в экранизации Линклейтера снялись звезды первой величины — Киану Ривз, Вуди Харрельсон, Роберт Дауни мл. и Вайнона Райдер. В таком составе их, наверное, нигде больше и не встретишь. Но все они были привлечены Линклейтером не для заполнения дыр в сюжете, как порой случается. «Помутнение» — это идеальное воплощение параноидального, психоделического и одного из самых пронзительных произведений американского фантаста. Подобного эффекта режиссер добился не только за счет качественного сценария, но и с помощью техники ротоскопирования, когда рисунок наносится поверх реального изображения. Подобную технику постановщик уже использовал ранее в картине «Пробуждение жизни». Здесь же она позволила передать вечно меняющийся рабочий костюм Арктора и страшные трипы, а также пририсовать новые элементы, которых в реальной съемке быть не могло. Фантастика, как можно догадаться, здесь имеет иной характер, но вечно волновавшие Дика проблемы утраты личности и подавления ее властью остались на своем заслуженно главном для его творчества и миропонимания месте.

Многие проблемы волновали Дика по той причине, что являлись частью его повседневной жизни. Оба его родителя были чиновниками, в сыне же это воспитало лишь отвращение к госаппарату и любой системе. Отвращение, смешанное с ужасом и страхом. Возможно, поэтому «Человек в высоком замке» кажется самым логичным произведением, вышедшим из-под его пера. После этой антиутопии к писателю пришло настоящее признание и почетная среди фантастов премия «Хьюго».

О чем эта книга, не так давно стало известно всем сериаломанам благодаря стильному и мрачному шоу от Amazon. Это альтернативная история, предлагающая другую версию окончания Второй мировой войны для Соединенных Штатов: воцарение нацизма на всей территории, оккупированной странами «оси» — Японией и Германией. В книге Дика легко угадывается фирменный стиль: он предлагает не просто альтернативную историю, а роман о писателе, живущем в таком альтернативном мире, но пишущем фантастическое произведение о победе СССР и союзников в войне.

Да, и наконец-то он — фильм, впервые и навсегда прославивший Филипа Дика среди киноманов. Писатель, к сожалению, до премьеры не дожил совсем немного, но с Ридли Скоттом затусить успел и просмотренные эпизоды с восторгом одобрил. В своих путешествиях по другим реальностям Филип часто видел мир, заполняемый созданиями-репликантами, внешне никак не отличающихся от человека. «Мечтают ли андроиды…?» — пожалуй, его самая пугающая фантазия на тему того, что такое человек, и что может ждать человечество в недалеком будущем. В мире высоких технологий, сосуществующих с нищетой и безумием, где людей и животных могут заменять электронные подделки, труднее становится определить, что есть человечность и сострадание.

Несмотря на то, что более поздняя режиссерская версия фильма отменяет попсовый хэппи-энд и задает вопрос о происхождении главного героя, далеко не все из диковской идеологии попало в поле зрения известного фильммейкера. А ведь религиозное прозрение от мерсеризма, объединяющего людей через сострадание, — один из главных идеологических моментов книги и позднего творчества Дика в целом. Те самые электроовцы в фильме тоже где-то потерялись. Но, конечно, несмотря на все расхождения, картина одного из лучших фантастов больших экранов Ридли Скотта просто прекрасна, и не в последнюю очередь своей визуальной составляющей. Жанрово его можно охарактеризовать как future noir, балансирующий между мрачным киберпанком, приправленным нуарным цинизмом. А главные герои — «бегущий по лезвию» Ричард Декард в исполнении Харрисона Форда, синеглазый андроид Рой Батти (Рутгер Хауэр) и, конечно, железная Рейчел (Шон Янг) — пожалуй, навсегда останутся самыми яркими киновоплощениями героев Филипа Киндреда Дика.

В главной роли — Петербург

Жанр киноальманаха, посвященного городу, давно пережил пик своего развития, однако признание в любви к северной столице нашей страны от семи женщин-режиссеров, в числе которых Рената Литвинова, Оксана Бычкова и Авдотья Смирнова, кажется вполне своевременным. «Петербург. Только по любви» — это сборник новелл, в легкой манере изображающих манящий и неповторимый Санкт-Петербург, в котором, по версии авторов, невозможно не влюбиться и не исполнить свои мечты. А мечты у героев оказываются традиционными и не очень — от поиска спутника жизни до организации эстетичного самоубийства. К слову, короткометражку на последнюю тему сняла Анна Пармас, автор нашумевшего и, можно сказать, уже культового клипа «Экспонат» группы «Ленинград».

Несмотря на пестроту имен, «Только по любви» представляет собой далеко не единственный и не самый оригинальный взгляд на этот мегаполис в отечественном кино. Можно подумать, что в первую очередь Петербург удобнее всего использовать как декорацию к происходящему, красивую картинку. Однако кинематографичность и вымышленность города порой делают его если не полноправным участником событий, то точно фактором, определяющим судьбы своих жителей. Мы составили обзор проектов, включающих в себя оригинальный взгляд на Санкт-Петербург. Зачастую представленные ленты отображают не только авторскую интенцию, но и целую эпоху, и особое мировоззрение.



Прогулка — лучшее, чем можно заняться в летнем Петербурге. Фильм Алексея Учителя начинает нравиться или не нравиться почти с первых кадров. Это своеобразный ответ картинам «Мне двадцать лет» и «Я шагаю по Москве» спустя 40 лет, лиричный и немного рваный рассказ о случайном путешествии колоритной девушки и двух молодых людей по северной столице длительностью в полтора часа. Великолепный сценарий от Дуни Смирновой, представляющий собой болтовню о женщинах и мужчинах, любви и дружбе, эмоционален, психологичен и даже чуточку театрален. Недаром актеров Ирину Пегову, Павла Баршака и Евгения Цыганова специально «потребовали» из московского театра «Мастерская Петра Фоменко» на съемки. И, конечно, это разговор о городе — одновременно капризном, как женщина, и в то же время стойком, как мужчина.

Сам жанр прогулки располагает к доле бессюжетности, но и к динамике: преследующая героев немного дрожащая камера ухватывает город в его быстротечности и изменчивости и создает у зрителя ощущение сопричастности. Особый колорит придают эпизодические персонажи — экскурсоводы, смотрители в Исаакиевском соборе, строители, уличные музыканты, актеры в костюмах Екатерины и Петра I — те, кто стали неотделимой частью Петербурга, его фольклором. «Маленькие люди», без которых не было бы большого и уникального города. А послевкусие от «Прогулки» остается еще надолго: в начале нулевых для многих зрителей этот фильм стал знаковым, а лиричный образ города привлек сюда туристов и даже жителей.




В разговоре о кино-Петербурге без «Питер FM», конечно, не обойтись: в свое время он обозначил рубеж в российских романтических комедиях. Здесь музыкальны даже калитки во дворе дома, даже звук шлепающих балеток по вечным лужам. К музыкальности располагает и профессия героини актрисы Екатерины Федуловой — она остроумный диджей на радио. Кстати, в 2009 году в Петербурге действительно зазвучало радио «Питер FM» на волне 100.9. А герой знакомого по «Прогулке» Евгения Цыганова, будучи архитектором, еще органичнее вписан в пространство города, ведь что в Питере воплотилось ярче, чем архитектура?

Как и в «Прогулке», в мелодраме Бычковой важны случайные прохожие и мимолетные встречи — с харизматичным люмпеном в лице Владимира Машкова, обиженным мужем в комичном исполнении Андрея Краско или одетым точь-в-точь как главный герой парнем, которого сыграл Павел Баршак. Все эти и многие другие персонажи представляют собой нишу искренних петербуржцев безо всякого стереотипного местного снобизма. Бычкова и ее герои задают важные для российской молодежи вопросы: ехать ли в Германию или довольствоваться скромным бытом дома, идти ли на компромисс с боссом или не прогибаться, наконец, выходить ли за нелюбимого или поверить в мимолетно возникшую симпатию? Но вопросы эти задаются без драматизма или надрыва, а так — легко и по-киношному.




Дуня Смирнова создала картину на вечную для русской действительности тему о непримиримом непонимании между интеллигенцией и народом. В этом ментально-интеллектуальном плане Россия давно поделена на две части. Тема может показаться школьной и устаревшей — классики уже об этом рассказали. Но все течет и меняется, и вот в современном Петербурге сталкиваются особы из разных миров — вульгарная провинциалка Вика (Яна Троянова) и серая мышка, сотрудник Кунсткамеры Лиза (Анна Михалкова).

Петербург здесь вывернут наизнанку, потому что показан под непривычным ракурсом — взглядом со стороны, живым и в чем-то детском (филологи называют этот прием отстранением). Фильм у Дуни получился трагикомичным, а грани между интеллигенцией и народом и явными, и размытыми одновременно. Потому что всегда трудно выбирать между разумом и чувствами, а в Петербурге тем более.



О фильме Виктора Соколова по сценарию самого Эдварда Радзинского известно нещадно мало и лишь немногим. Несправедливо забытый, он в свое время явился не только удачной прогулкой его героев по городу, но и замечательным отражением эпохи оттепели, а по мнению некоторых критиков, и прощанием с ее иллюзиями, что скорее просто красивая фантазия. Фильм рассказывает об одном дне, в течение которого несколько раз привычно для Петербурга-Ленинграда успевает измениться погода. Вдобавок меняются и отношения главных героев-одноклассников, где по законам жанра один — отличник, а другой — веселый разгильдяй, и между ними изначально — непримиримая борьба и непонимание. По воле случая прогуляв уроки, мальчики успевают обойти весь центр города, начиная с Пряжки и заканчивая Невским. Они посещают продуктовую лавку у «Дома Кино», покупают таз в «Пассаже», ужинают в ресторане-корабле и даже снимаются в эпизоде на «Ленфильме».

Сцена пребывания мальчишек в кинопавильоне крайне интересна. Они попадают на съемки какого-то дико пошлого мюзикла о Мишке Япончике в исполнении Михаила Козакова, между прочим. Кстати, четырехминутный эпизод только в этом году был возвращен в фильм и показан на фестивале «Белые столбы». По прошествии лет можно сказать, что подобное кинопроизводство на деле никак не отражало реальное положение вещей на одной из главных киностудий страны: в 60-е свои мощные картины там снимали Григорий Козинцев, Михаил Ромм и Иосиф Хейфиц. Но если не ратовать за честь «Ленфильма», то ирония режиссера вполне ясна — приходит новое кино, обывательское, мещанское и пошлое, а настоящий кинематограф вынужден бороться за свои права и своего зрителя. Фильм Соколова демонстрирует удивительный пример того, как детская открытость и наивность стали символом своего времени. Умиление и радость вызывают изображенные здесь беззаботные мальчишки и встречающиеся на их пути люди.



В череде «легких» фильмов о Петербурге нельзя не вспомнить легендарную «Иронию судьбы», диалоги из которой практически каждый россиянин знает наизусть. Несмотря на то, что квартиры и дома Нади и Жени в Ленинграде и Москве оказываются до смешного одинаковыми, задумчивая прогулка героини Барбары Брыльской по северной столице словно ненароком показывает отличительные черты города. Именно ленинградские пейзажи не только по сюжету, но и по своей общей тональности идеально подходят тому моменту, когда события в фильме приобретают мелодраматический оборот.

История мягкотелого переводчика Бузыкина в исполнении Олега Басилашвили прекрасно отразила и проблему кризиса среднего возраста, и эпоху застоя в Союзе. Ленинград здесь не только фон, но и неотъемлемая часть жизни героя. Его работа в ЛГУ и «Лениздате» — маркер принадлежности к интеллигенции и в то же время иллюстрация исторического периода. Именно осенний Ленинград становится спутником Андрея Павловича в его вялых попытках вырваться из рутины, суеты и безысходности собственной жизни. Герой начинает заниматься легким бегом по серым холодным ленинградским паркам. А город совсем не приветлив — он скорее просто безразличен и сам будто доживает свой век на автомате.

Если сериал про питерских суперментов «Улицы разбитых фонарей» задумывался как ответ московскому «Петровка, 38», то объемный «Бандитский Петербург» по праву стал драматическим отражением целой эпохи, превратившейся в страшную легенду. Основанный на книгах Андрея Константинова, которые, в свою очередь, во многом были подкреплены реальными фактами и журналистскими расследованиями, сериал породил миф о Петербурге, из северной столицы трансформировавшемся в столицу криминальную. По сути, это историческая правда. Город-мираж здесь, как пел Игорь Корнелюк, оказывается «городом, которого нет», где разбиваются надежды, рушатся судьбы, предаются идеалы. Мир, кажется, существовавший совсем недавно, мир, где можно было хоть во что-то и кому-то верить, становится безнадежно далек и недостижим. Вокруг не просто ведется борьба за власть — криминальные связи пронизывают основные институты государства, что делает любую попытку добиться справедливости бессмысленной или по крайней мере смертельно опасной.

Пожалуй, самый известный и сильный второй сезон сериала под названием «Адвокат» запоминается трагично бледным Дмитрием Певцовым, отчаянным Алексеем Серебряковым и вечно плачущей Ольгой Дроздовой. Следователь прокуратуры, герой Певцова вынужден стать правой рукой русского дона Корлеоне и, можно сказать, адвокатом дьявола. И вот коварный, неуловимый Антибиотик (Лев Борисов) назначает браткам стрелку у ЦПКиО или Смольного Собора, иной раз вся братия собирается в «Англетере», а ты смотришь и понимаешь, что не только маслом по холсту рисовался Петербург, и картины получались далеко не всегда вдохновляющими.



Но нигде более не найти такого Петербурга, как у Балабанова. Когда у большинства режиссеров изображенный город так или иначе связан с эпохой и реальностью, Питер в воображении Алексея Октябриновича находится на грани между явью и выдумкой. Постановщик сам так его увидел и сам создал. И в этом он ближе к литературному материалу, Гоголю, Белому и, конечно, Достоевскому, чем любой другой фильммейкер. Знаменитый режиссер, сам долгое время живший и творивший в Петербурге, создал свой миф, являясь в этом плане Достоевским от мира кино. Однако если Федор Михайлович называл Петербург самым умышленным городом на свете, то герои Балабанова говорят жестче: «Красивый город, но провинция».

Изображенный режиссером Петербург — фантом и гротеск на границе между русской провинцией и виднеющейся вдалеке Европой. Герои постановщика оказываются такими же — потерянными среди полярных миров маргиналами и изгоями. «Если быстро ехать на запад, то солнце не зайдет никогда», — говорит Лиза из драмы «Про уродов и людей», отправляется в Выборг, но находит там тот же искаженный мир. А инфантильно-демонический Данила Багров давно уже стал символом своей эпохи, как и Петербург 90-х, в котором он оказался. В фильмах Алексея Балабанова вы не увидите Петербурга из туристического гида — никаких разведенных мостов, дворцов и блеска. Может быть, поэтому его город кажется более правдивым и настоящим.

«Останься со мной»: трудный путь к успеху

Тридцать лет назад, 8 августа 1986 года, состоялась премьера фильма Роба Райнера «Останься со мной». Хотя сегодня лента по праву носит статус культовой, в свое время от нее отказались едва ли не все крупные голливудские кинокомпании. Несмотря на сложности, экранизация повести Стивена Кинга «Тело» все-таки увидела свет, чтобы остаться в сердцах нескольких поколений зрителей в качестве идеального примера истории о детской дружбе и взрослении.

Успех «Останься со мной» позволил Райнеру выйти из тени своего знаменитого отца, заработавшего в качестве актера, сценариста и продюсера девять премий «Эмми». За пару лет до этого Роб дебютировал в качестве режиссера с комедией «Это Spinal Tap», однако в глазах публики он продолжал оставаться артистом второго плана из ситкома «Все в семье» (All in the Family). Именно экранизация Кинга позволила Райнеру зарекомендовать себя в качестве по-настоящему талантливого и разностороннего постановщика. Уже через несколько лет он снял комедию «Когда Гарри встретил Салли», драму «Несколько хороших парней», фэнтези «Принцесса-невеста» и успешную адаптацию еще одного произведения Короля Ужасов — «Мизери».

Фильм о четырех мальчишках из провинциального городка Касл-Рок мог не появиться на свет, если бы не настойчивость сценаристов Брюса Э. Эванса и Рэйнольда Гидеона, которым удалось получить у Кинга разрешение адаптировать его повесть для большого экрана. В начале 80-х знаменитый писатель был настолько разочарован киноверсиями «Сияния» и «Кристины», что всерьез подумывал о прекращении своего сотрудничества с Голливудом. Сценаристы смогли переубедить Стивена, однако стоило им завершить работу над текстом, как выяснилось, что на их проект нет покупателя.

Брюс Э. Эванс (сценарист и продюсер): Буквально каждая компания в Голливуде отказалась от нашего сценария. Все студийные боссы повторяли, что история о 12-летних парнях, идущих по железнодорожному пути, не заинтересует зрителей. Никто не знал, на чем можно строить рекламу фильма о детях, в котором поднимаются серьезные вопросы. Но нас эта история подкупала именно тем, что в ней не было девочек, первых поцелуев и других привычных атрибутов картин о подростках. Мы хотели снять ленту о ребятах, которые начинают осознавать, что значит быть смертными.

Рэйнольд Гидеон (сценарист и продюсер): В конечном итоге встретиться с нами решился лишь Норман Лир из студии Embassy.

Роб Райнер (режиссер): Изначально кресло режиссера планировали доверить Эдриану Лайну, но он захотел передохнуть после изнурительной работы над лентой «9 1/2 недель». Тогда Брюс и Рэйнольд решили отправить свой текст мне. Их сценарий отличался отличными диалогами и интересными персонажами, но мне казалось, что там чего-то не хватает. На протяжении следующих четырех дней я никак не мог выбросить этот сюжет из головы.

Эндрю Шайнмен (продюсер): Переломным моментом стало осознание того, что нам стоит сместить фокус с Кpиса Чембеpса на Горди Лашанса. За счет этого мы получили историю о мальчишке, который чувствует, что отец его недооценивает. Уже в ходе приключений наш герой начинает понимать, что проблема кроется в его родителе, а не в нем самом.

Роб Райнер: В первой версии сценария на Лашансе не сделали какого-то особого акцента. Я подумал, что нам нужно уделить больше внимания этому неуверенному в себе мальчишке. Горди отправился на поиски тела, поскольку чувствовал холодность со стороны отца и ощущал вину за то, что не смог заплакать на похоронах брата.

Борьбу за главные роли в фильме вели многие юные голливудские актеры, включая Итана Хоука и Шона Эстина. Райнер остановил свой выбор на кандидатурах Ривера Феникса, Уила Уитона, Кори Фельдмана и Джерри О'Коннелла.

Уил Уитон (исполнитель роли Горди Лашанса): Казалось, что пробы в этот фильм длились бесконечно. После серии предварительных раундов кастинга они выбрали дюжину актеров, а затем принялись пробовать самые разные сочетания финальной четверки. Забавно, что я едва не потерял роль из-за ужасного преподавателя актерского мастерства. Когда я однажды спросил у него, как научиться плакать по щелчку хлопушки, он ответил, что создатели фильма просто закапают мне в глаза лимонный сок. Надо признаться, что такая перспектива меня не слишком порадовала. Во время одного из этапов кастинга я со всей прямотой заявил продюсерам, что не люблю сцен с плачем. К счастью, ко мне тут же подскочил Рэйнольд Гидеон и посоветовал сказать, что я пошутил.

Роб Райнер: Мы просмотрели столько актеров, что я вряд ли смогу вспомнить все их имена. Зато мне навсегда запомнился тот день, когда на роль Криса Чемберса пришел пробоваться Ривер Феникс.

Джерри О'Коннелл (исполнитель роли Верна Тессио): Я помню, как мои родители сказали, что снимать ленту будет актер из сериала «Все в семье». Я почему-то подумал, что мне предстоит пройти кинопробы в фильм главной звезды этого ситкома — Кэррола О’Коннора.

Роб Райнер: Джерри был просто великолепен. Стоило ему войти в дверь, как он заявил: «Слушай, ты же тот парень с Channel 5». Именно на этом канале в те времена крутили повторы «Все в семье».

Брюс Э. Эванс: Сложнее всего оказалось найти Тедди. Мы долго не могли подыскать актера, который мог бы сыграть настолько озлобленного мальчишку. Какое-то время мы даже подумывали о том, чтобы отдать эту роль Риверу и начать поиски нового Криса Чемберса.

Кори Фельдман (исполнитель роли Тедди Дюшана): Роба впечатлили мои кинопробы. Для меня создание этого образа не составляло большой проблемы: я опирался на собственный опыт. Большинству моих сверстников не приходилось сталкиваться с насилием со стороны взрослых, а я возвращался домой из школы с одним единственным вопросом: «Сколько тумаков мне сегодня достанется?».

Роб Райнер: Нам также было непросто найти рассказчика, поскольку голоса большинства актеров меня категорически не устраивали. И тут я подумал о Ричарде Дрейфуссе. К счастью, он не только согласился на эту роль, но и предложил сняться в финальной сцене фильма.

Чтобы мальчишки сумели найти общий язык, Роб Райнер решил привести их в Орегон за пару недель до старта съемок.

Джерри О'Коннелл: Роб быстро с нами поладил. Можно сказать, что на съемочной площадке мы воспринимали его пятым участником нашей компании. Пока мы ждали начала съемок, он не просил нас репетировать или заучивать диалоги. В течение двух недель наша четверка просто играла в разные настольные игры, так что к началу производства ленты нам удалось здорово сдружиться.

Роб Райнер: К тому времени парни работали как швейцарские часы. В фильме есть момент, когда мальчишки говорят, что отец Тедди участвовал в высадке в Нормандии. Эту напряженную сцену мы снимали длинным дублем. Каждый из них вступал в диалог ровно тогда, когда этого требовала ситуация. В определенный момент они взяли паузу, после чего Верну предстояло разрядить напряжение песней “Have Gun Will Travel”. Только настоящий актер мог так тонко почувствовать, когда наступил идеальный момент прервать молчание. Меня удовлетворил первый же дубль этой сложной сцены.

Уил Уитон: Мы довольно сильно походили на наших героев. Я был неуклюжим, стеснительным и крайне чувствительным. Меня было легко довести до слез, чем с удовольствием пользовался Кори. Порой он бывал довольно жесток, и Ривер пару раз вставал на мою защиту. Однажды в дело даже вмешались Роб и один из наших продюсеров, которые попросили Кори оставить меня в покое. Я не держу на него обид. Сейчас мы не поддерживаем отношения, но я никогда не желал ему зла. Я понимал, что у него было трудное детство.

Кори Фельдман: Когда мы с Ривером пускались в очередную авантюру, Уитона просто запирали в его гостиничном номере.

Джерри О'Коннелл: Одно из самых ярких моих детских воспоминаний связано с празднованием Дня независимости в доме Ривера. Выяснилось, что в Орегоне можно свободно приобрести фейерверки. Мы купили целый ящик и всю ночь их запускали.

Буквально за несколько дней до съемок студия Embassy перешла под крыло кинокомпании Columbia. В те времена ей владела корпорация Coca-Cola, руководство которой совсем не горело желанием запускать в производство довольно противоречивый фильм с сомнительными коммерческими перспективами.

Рэйнольд Гидеон: Известие о продаже Embassy пришло за три дня до начала работ. Нам просто сказали: «Сворачивайтесь и отправляйтесь домой».

Роб Райнер: К тому времени в Орегоне уже собралась вся наша съемочная группа. Более того, мы успели построить основные декорации. Можете представить наши чувства, когда нам говорят, что фильм больше никому не нужен. Бюджет составлял $7,5 млн, и мы понятия не имели, удастся ли нам разыскать эти деньги.

Рэйнольд Гидеон: Нынешний председатель правления студии Disney Алан Хорн тогда занимал пост главного финансового директора Embassy. Он заявил Норману Лиру: «У тебя нет ни дистрибьютора, ни сделки на выпуск фильма на видеокассетах. В плане кассовых перспектив все выглядит очень и очень плохо». Однако Норману нравился наш сценарий. Он настолько верил в талант Роба и мальчишек, что покрыл расходы на фильм из собственного кармана.

Драма Райнера подарила зрителям немало эмоциональных сцен. Одним из самых запоминающихся моментов стал разговор Криса и Горди об украденных деньгах.

Роб Райнер: Мы сняли пару дублей, но Ривер никак не мог найти нужную эмоцию для данной сцены. Я отвел его в сторону со словами: «Можешь мне не рассказывать, но у тебя в жизни наверняка бывали моменты, когда кто-то из взрослых тебя серьезно подводил». Следующий же дубль в итоге попал в финальную версию фильма. Не знаю, что именно побудило Ривера сыграть столь убедительно. Он так и не признался, о чем думал в тот момент.

Джерри О'Коннелл: В первый съемочный день мы работали над сценой на свалке, когда нас неожиданно прервала команда «Стоп». Роб подошел ко мне со словами: «Что ты делаешь?». Мой герой всего лишь наблюдал за словесной перепалкой владельца свалки и Тедди, а потому я не понял сути вопроса. Тогда режиссер пояснил: «Даже если у тебя нет слов в этой сцене, ты должен как-то реагировать на происходящее. Посмотри, твой друг лезет в драку. Что ты сделаешь?».

Кори Фельдман: Этот момент мог стать моей минутой славы, но на монтажном столе его серьезно порезали.

Роб Райнер: Работать с детьми совсем непросто. Во время съемок сцены на мосту им удалось довести меня до белого каления. С помощью операторских трюков мы создали ощущение, что парни рисковали попасть под колеса поезда, а на самом деле они находились так далеко, что совершенно не боялись. В те дни на улице стояла 30-градусная жара, и нашей команде приходилось вручную гонять по шпалам тяжелую операторскую тележку. Мальчишки же откровенно валяли дурака, срывая один дубль за другим. В один прекрасный момент я не выдержал, закричав: «Если поезд вас не убьет, это сделаю я!». Они запаниковали, и нам наконец-то удалось получить нужные кадры.

Кори Фельдман: А для сцены с пиявками оборудовали искусственное озеро посреди леса, чтобы добиться нашей максимальной безопасности. Однако до съемок мы добрались лишь спустя шесть недель, когда природа помогла превратить этот экологически чистый водоем в натуральное болото. Когда мы в него забрались, там оказались не только пиявки, но и черви, жуки и прочая живность.

Уил Уитон: В болоте было мерзко и ужасно холодно. Тот съемочный день вообще оставил у нас исключительно неприятные воспоминания. Мы с парнями частенько наведывались в местный торговый центр, чтобы прокатиться на водных горках. В день съемок той сцены нас на горки не пустили. Они решили, что мы покрыты настоящими открытыми ранами.

Кори Фельдман: Так на свет появилась сцена с четырьмя полуголыми мальчиками, один из которых вытаскивает пиявку из трусов. Не уверен, что в современном кино нечто подобное сошло бы нам с рук...

Роб Райнер: В конце повести пистолет на Эйса наставляет Крис. Уже в разгар работы над фильмом Эндрю Шайнмен предложил отдать оружие в руки Горди, который стал центральным персонажем нашей истории. Когда мы показали картину Стивену Кингу, он произнес: «И почему я сам до этого не додумался?».

Закончив съемки летом 1985 года, команде фильма пришлось приступить к поискам дистрибьютора.

Роб Райнер: И снова нам дали понять, что Голливуду наша картина совсем не интересна.

Брюс Э. Эванс: Глава студии Universal вообще покинул предпоказ уже на середине фильма.

Роб Райнер: В итоге нам не осталось ничего другого, как отправиться в студию Columbia, которая однажды уже дала понять, что фильм ей не нужен. Нам повезло, что в те времена у них сменилось высшее руководство, и новый босс кинокомпании, Гай МакЭлвайн, посмотрел «Останься со мной» прямо у себя дома в компании гостей. Говорят, что в конце фильма у него на глазах выступили слезы, и он сказал так: «Мы поддержим эту картину. И мне нет никакого дела, принесет ли она прибыль».

Брюс Э. Эванс: Существует версия, что тогда МакЭлвайн плохо себя чувствовал, из-за чего просмотр фильма и решили устроить у него дома. Помимо студийного руководства и специалистов по маркетингу, там присутствовали дочери главы кинокомпании. Говорят, что судьба «Останься со мной» была решена в считанные минуты, потому что девочки с первого взгляда влюбились в героя Ривера.

Несмотря на сложный путь на экраны, лента не только заработала в прокате более $52 млн, но и принесла Эвансу и Гидеону номинацию на премию «Оскар».

Кори Фельдман: Вскоре после выхода «Останься со мной» на экраны я получил письмо от Майкла Джексона, который поздравил меня с успехом. Выяснилось, что создатели картины планировали использовать одну из его песен, но потом остановились на саундтреке из 50-х.

Джерри О'Коннелл: У нас даже не было какой-то громкой премьеры с участием актеров. Я вообще впервые посмотрел фильм в компании бабушки и дедушки в кинотеатре на Пятой авеню. Билетерша узнала во мне одного из главных героев и вернула нам деньги со словами: «Кинозвезды за билеты не платят». Я снялся в ленте, которой предстояло стать настоящей классикой, а мой дед следующие несколько дней только и мог, что рассказывать всем вокруг о том, как билетерша пропустила его в зал бесплатно.

Эндрю Шайнмен: В первый уикенд мы собрали то ли $3 млн, то ли $5 млн. Зато фильм сумел продемонстрировать потрясающую выносливость в прокате.

Уил Уитон: Я оказался не готов к тому, что публика встретит ленту так тепло. Однажды на пороге моего дома появились три большие коробки с письмами от фанатов...

Эндрю Шайнмен: Когда фильм вышел на экраны, мы находились в Лондоне на съемках «Принцессы-невесты». Стоило Робу вернуться в Штаты, как он стал «тем парнем, который снял “Останься со мной”».

Жизнь исполнителей главных ролей сложилась по-разному. Уитон вскоре получил роль в сериале «Звездный путь: Следующее поколение» (Star Trek: The Next Generation), которая помогла ему обрести внушительную армию новых поклонников. О'Коннелл сделал успешную кинокарьеру и тоже стал любимчиком гик-сообщества благодаря роли в «Параллельных мирах» (Sliders). Спустя год после релиза «Останься со мной» Фельдман снялся еще в одной знаменитой ленте 80-х — «Пропащие ребята», однако затем ему пришлось долгое время бороться с пагубными привычками. Негативные последствия славы ощутил на себе и Ривер Феникс. В 1989 году он получил номинацию на «Оскар» за роль в криминальной драме «На холостом ходу», но уже четыре года спустя его жизнь оборвалась из-за передозировки наркотиков.

Уил Уитон: Я долго злился на Ривера, ведь он был тем парнем, который мог повторить карьеру Тома Хэнкса. Он мог стать актером с $20-миллионными гонорарами. Я упорно работал, но у меня никогда не появлялось столько же возможностей. Мне просто не верилось, что Феникс так распорядился своей жизнью. Но больше всего меня злило, что рядом с ним не нашлось ни одного человека, который бы предотвратил трагедию. Практически вокруг каждого молодого голливудского актера сразу же возникает кучка проклятых паразитов. Эти люди могли спасти Ривера, но они думали только о том, чтобы доить из него деньги. Я не знаю их имена, но надеюсь, что жизнь заставила их поплатиться за свои поступки.

Кори Фельдман: К тому времени я уже успел побывать в реабилитационном центре. Помощница режиссера фильма, в котором я тогда снимался, призналась, что на съемках «Моего личного штата Айдахо» Ривер выглядел очень плохо. Когда я ему позвонил, он даже не понял, с кем говорит. Я искренне хотел его поддержать, потому что он оказался одним из немногих, у кого нашлись добрые слова в мой адрес, когда в прессе появилась информация о моем аресте за хранение наркотиков. Мы договорились встретиться в Лос-Анджелесе после завершения съемок моей картины, но я так и не успел прийти ему на помощь...

Ричард Дрейфусс (рассказчик): Когда мы теряем актеров вроде Ривера или Филипа Сеймура Хоффмана, в наших сердцах всегда остается глубокая рана, ведь они могли подарить нам еще множество великолепных образов. На мой взгляд, Феникс был самым талантливым актером своего поколения.

Несмотря на трагическую смерть Ривера, ленте удалось оставить большой след в жизни ее создателей.

Джерри О'Коннелл: Однажды я обнаружил, что настоящей поклонницей «Останься со мной» является моя супруга Ребекка Ромейн. Я узнал об этом совершенно случайно из разговора с ее школьными друзьями. Мы пропустили пару стаканчиков, и они рассказали, что в детстве ее комнату украшали постеры нашей картины. Сама Ребекка мне об этом никогда не говорила...

Кори Фельдман: Фильм приобрел настолько культовый статус, что нас всегда спрашивают, почему мы не сняли сиквел.

Ричард Дрейфусс: Это одна из тех кинокартин, которую ты обязательно досмотришь до конца, если случайно попадешь на нее на каком-нибудь телеканале.

Уил Уитон: С одной стороны, я безмерно счастлив, что в моей карьере была эта роль. Многим моим коллегам за всю их жизнь может не выпасть шанса сняться в подобном фильме. Но обратная сторона медали заключается в том, что на протяжении долгих лет я переживал, что мне не повторить этот успех.

Джерри О'Коннелл: Я постоянно вспоминаю о тех временах. Как и сказано в фильме, у нас никогда не появляется таких же друзей, какие были в детстве.

Источник: Variety

«Чужим» — 30!

Тридцать лет назад в прокат вышел фантастический боевик Джеймса Кэмерона «Чужие». Путь фильма на экраны был долог и тернист, но итогом работы талантливого канадского режиссера стал настоящий кинематографический шедевр, который занял особое место в сердцах поклонников сай-фая.

Несмотря на то, что сиквел знаменитого хоррора «Чужой» разительно отличался от оригинала, ему удалось обрести не менее культовый статус у зрителей. Если в 1979 году фильм Ридли Скотта получил две номинации на премию «Оскар», то семь лет спустя ленту Кэмерона выдвинули на соискание семи наград Американской киноакадемии. Любопытно, что обе картины в итоге завоевали заветные статуэтки за свои революционные визуальные эффекты.

В недавнем разговоре с журналистами Entertainment Weekly Кэмерон признался, что именно «Чужие» стали определяющим фильмом в его карьере. «Благодаря “Терминатору” мы с Гэйл Энн Херд попали в поле зрения студийных боссов, однако истинным прорывом для нас стал сиквел “Чужого”, — заявил именитый постановщик. — Стоило этой ленте получить семь номинаций на “Оскар”, как перед нами сразу же открылись все двери».

LostFilm.INFO представляет вашему вниманию самые интересные факты о создании «Чужих», отмечающих в июле свой 30-летний юбилей.

Студия Brandywine Productions рассчитывала приступить к съемкам сиквела сразу после успеха «Чужого» в прокате, однако в руководстве их партнеров, 20th Century Fox, произошли перестановки. Новые боссы голливудского мейджора не желали снимать продолжение ленты Скотта, из-за чего между двумя компаниями даже началась судебная тяжба. Конфликт уладили лишь пару лет спустя, когда к власти в студии Fох пришли новые лица.

После того, как на продюсеров Дэвида Гайлера и Уолтера Хилла произвел неизгладимое впечатление сценарий «Терминатора», они захотели продолжить свое сотрудничество с Джеймсом Кэмероном. Тот предложил им на рассмотрение целый ряд оригинальных идей, однако ни одна из них не вызвала у киноделов большого восторга. Совершенно случайно Джеймс упомянул, что ему было бы интересно придумать продолжение «Чужого», после чего Гайлер и Хилл заказали у него 50-страничную сценарную заявку фильма. Кэмерон решил использовать несколько идей из своего нереализованного сценария «Мама», для которого он в свое время разработал концепцию экзоскелета-погрузчика.

Существует легенда, что во время презентации своего проекта высшим чинам студии Fox Джеймс написал на доске название оригинала, после чего добавил к нему знак доллара. Надпись ALIEN$ оказалась достаточно убедительной, чтобы руководители кинокомпании решили дать проекту зеленый свет. Кэмерона официально назначили сценаристом «Чужих» в тот же день, когда ему сделали предложение сочинить сюжет боевика «Рэмбо: Первая кровь 2». Когда Джеймс спросил у Дэвида Гайлера, как ему следует поступить, продюсер посоветовал взяться за обе работы.

Однако уже вскоре канадец едва не потерял «Чужих» из-за проблем с «Терминатором», старт съемок которого пришлось сдвинуть на девять месяцев, потому что Арнольд Шварценеггер был занят работой над «Конаном-разрушителем». К счастью, боссы Fox так сильно верили в талант Джеймса, что не стали перепоручать сценарий кому-то другому. Кэмерон продолжал трудиться над сюжетом «Чужих» как во время вынужденного простоя, так и прямо в разгар создания «Терминатора». В конце концов президент студии Fox сказал, что он готов отдать ему режиссерское кресло фантастического боевика, если историю о киборге-убийце тепло встретит публика.

Уже в статусе режиссера «Чужих» Джеймс столкнулся еще с одной сложностью. Когда он только приступил к работе над сценарием, студийные боссы заверяли его, что сделка с Сигурни Уивер у них в кармане. Актриса долгое время считала, что продолжение только испортит наследие оригинальной картины. Текст Кэмерона смог переубедить Сигурни, однако переговоры с руководством Fox относительно суммы ее гонорара вскоре превратились в настоящую мыльную оперу. В определенный момент представители студии даже попросили Джеймса переписать сценарий таким образом, чтобы он смог обойтись без Уивер. Режиссер предпочел отказаться, потому что не видел смысла в продолжении первого фильма без Рипли.

Переговоры студии с Сигурни так и не двигались с мертвой точки, из-за чего Кэмерон начал искать способ ускорить старт съемок ленты. Фильммейкер проявил себя настоящим знатоком психологии: он позвонил агенту Арнольда Шварценеггера, в разговоре с которым якобы случайно упомянул, что подумывает вырезать из сценария сюжетную линию Рипли. Агент тотчас же связался со своим коллегой, представлявшим интересы Уивер, который, в свою очередь, начал обрывать телефон руководства киностудии. Уже вскоре Сигурни ставила свою подпись под контрактом на $1 млн, благодаря чему ей удалось стать одной из первых голливудских актрис, которые заслужили столь солидный гонорар. Зарплата Уивер за вторую часть франшизы примерно в 30 раз превысила ту сумму, которую она получила за съемки в «Чужом». Участие в сиквеле также принесло Сигурни номинацию на премию «Оскар» в категории «Лучшая актриса». Это был первый случай в истории кинематографа, когда женщина боролась за золотую статуэтку за главную роль в экшене.

Конфронтации между Уивер и студией удалось избежать, однако производство фильма не смогло обойтись без целого ряда громких скандалов. Один из них возник в результате разногласий между Кэмероном и Диком Бушем. Режиссер так часто выражал недовольство относительно того, как оператор выставлял свет, что решил уволить его прямо в разгар съемок. Джеймсу пришлось в срочном порядке обратиться к оператору «Чужого» Дереку Ванлинту, который не смог принять предложение, но посоветовал канадцу рассмотреть кандидатуру Эдриана Биддла.

Еще один конфликт возник у Кэмерона со вторым режиссером и несколькими членами съемочной группы. На тот момент «Терминатор» еще не добрался до экранов в Великобритании, из-за чего многие подчиненные Джеймса совершенно не верили в его талант. Ситуация осложнялась тем, что в те времена знаменитая лондонская студия Pinewood сама предоставляла режиссерам часть рабочих. Вскоре выяснилось, что многие опытные киношники не горели желанием проводить на съемочной площадке по 14 часов в день под руководством безызвестного молодого постановщика.

Что же касается второго режиссера, то он совершенно не стеснялся утверждать, что ему бы удалось справиться с постановкой фильма гораздо лучше Кэмерона. Вскоре в дело вмешалась продюсер Гейл Энн Херд, которая предпочла уволить бунтаря. Такое решение едва не обернулось массовой забастовкой остальных членов съемочной команды, но Гейл чудом удалось погасить мятеж.

В адрес самой Херд тоже было немало критики. Гейл даже приходилось выслушивать обвинения в том, что пост продюсера достался ей исключительно благодаря замужеству с Кэмероном. Однако очевидцы утверждают, что Херд не только блестяще справлялась со своими обязанностями, но и оказывалась едва ли не единственным человеком на съемочной площадке, который мог отстоять свою точку зрения в спорах с рулевым проекта. При этом Гейл была всегда готова прийти на выручку мужу даже в самой экстренной ситуации. Когда выяснилось, что у Дженетт Голдстин нет навыков стрельбы из пистолета, дублершей актрисы выступала именно Херд.

Роль капрала Хикса получил Джеймс Римар, однако уже спустя несколько дней после старта съемок он неожиданно покинул проект. Ходили слухи, что он разругался с режиссером, однако сам актер несколько лет назад признался, что на его увольнении настояла студия, поскольку его заподозрили в хранении наркотиков.

Римар успел сняться в нескольких сценах в улье Чужих. Пересъемки этого фрагмента рисковали увеличить $18-миллионный бюджет, а потому Кэмерон решил использовать при монтаже только те кадры, в которых Хикс в исполнении Римара находился спиной к камере. В остальных сценах задействовали уже Майкла Бина, с которым постановщик сдружился на съемках «Терминатора». Актера позвали на выручку Кэмерону в пятницу вечером, и уже в понедельник утром он вышел на съемочную площадку «Чужих».

Коммерческий звездолет, на котором разворачивалось действие оригинального «Чужого», был назван в честь романа «Ностромо» Джозефа Конрада. Кэмерон решил оставить еще одну пасхалку поклонникам творчества этого английского писателя. Десантный корабль колониальной морской пехоты из сиквела получил название в честь города Сулако, который упоминается в той же самой книге Конрада. В фильме Кэмерона также можно найти отсылки к целому ряду других знаменитых литературных произведений. Так, слова Бишопа о неспособности причинить вред людям наверняка вызвали у любителей фантастики ассоциации со знаменитыми законами робототехники, сформулированными Айзеком Азимовым в рассказе «Хоровод».

Огромное влияние на фантастический боевик оказала Вьетнамская война. Колониальные морпехи напоминали американских военных, которые кичились значительным техническим превосходством над вьетконговцами, но на деле были совершенно не готовы вести боевые действия в стане врага. Памятуя о том, что многие солдаты любят оставлять на своем обмундировании какие-нибудь знаки, режиссер разрешил актерам самостоятельно оформить свои костюмы и оружие. В результате броню Васкес украсила фраза «El riesgo siempre vive!», которую можно перевести как «Риск — благородное дело». Билл Пэкстон предпочел оставить на костюме имя супруги, а Синтия Дэйл Скотт, исполнившая в «Чужих» роль капрала Дитрих, написала на своем шлеме «Голубой ангел» в честь актрисы Марлен Дитрих, сыгравшей в одноименном фильме 1930 года. Поскольку Майкл Бин прибыл на съемочную площадку позже своих коллег, ему выдали бронежилет с сердечком. Бин оказался не в восторге от подобного оформления обмундирования, так как оно могло служить превосходной мишенью для противника.

Чтобы подготовить актеров к ролям бравых вояк, Кэмерон отправил их в тренировочный лагерь подразделения специального назначения вооруженных сил Великобритании. Исключением стали лишь Сигурни Уивер, Пол Райзер и Уильям Хоуп. По сюжету, герои первых двух не имели армейской подготовки, а персонаж Хоупа представал в качестве неопытного лейтенанта, который держится от остальных морпехов в стороне. В рамках подготовки к роли каждого актера обязали прочитать знаменитый роман Роберта Э. Хайнлайна «Звездный десант», ставший одним из главных источников вдохновения Кэмерона при работе над сценарием «Чужих».

Режиссер проявил себя тонким знатоком человеческой души при создании сцены завтрака морпехов после их пробуждения из гиперсна. Он специально перенес ее на конец съемочного периода, чтобы дружба между главными персонажами фильма выглядела более убедительно.

Команда «Чужих» не смогла позволить себе строительство нужного количества капсул гиперсна. Из-за строгих финансовых ограничений Кэмерону приходилось экономить каждый цент, а одна такая камера обходилась создателям ленты в $4,3 тыс. Бюджет смог потянуть лишь шесть капсул, после чего режиссер с помощью зеркал и тщательно продуманных углов съемки создал у зрителей иллюзию, что на экране их было вдвое больше.

Нехватка бюджета сказывалась и на многих других аспектах работы съемочной группы. Так, в распоряжении Кэмерона оказались всего лишь шесть костюмов Чужих. Операторские находки и монтажные трюки позволили создать полное ощущение того, что морпехи вели борьбу с десятками пришельцев.

Знаменитая сцена, в которой Бишоп демонстрирует навыки владения ножом на руке рядового Хадсона, — это импровизация. Кэмерону так понравился трюк с холодным оружием, что он решил включить его в фильм. По словам Лэнса Хенриксена, члены съемочной группы до самого последнего момента не говорили Биллу Пэкстону, что андроид будет втыкать нож между пальцев именно его героя. Быть может, именно по этой причине на лице Хадсона можно увидеть столь неподдельный ужас.

После завершения работы над этим напряженным фрагментом Хенриксен пошел снимать стресс в близлежащий бар. Актер еще не знал, что Кэмерон счел сцену недостаточно убедительной и назначил ее пересъемку на следующее утро. Последствия минувшей ночи не заставили себя долго ждать: с похмелья Лэнс едва не лишил Пэкстона мизинца.

Пэкстон был абсолютно уверен, что зрители будут с нетерпением ждать, когда же его героя наконец-то убьют, но вместо этого Хадсон стал одним из любимцев публики. Поклонники «Чужих» посчитали, что в фильме 25 раз произносят слово на букву F, восемнадцать из которых приходятся на долю персонажа Билла. Кэрри Хенн однажды призналась, что после каждого дубля Пэкстон бросался извиняться перед своими партнерами по сцене за то, что ему приходилось выражаться нецензурно.

Продюсеры ленты обсуждали возможность сотрудничества с создателем дизайна Чужого — Гансом Руди Гигером. Кэмерон предпочел отказаться от его услуг, решив самостоятельно придумать образ Королевы. Чтобы заставить ее двигаться, на съемках приходилось задействовать 16 рабочих.

Хотя у Кэмерона остались не слишком приятные воспоминания от работы над фильмом «Пираньи 2: Нерест», продюсеры которого отстранили его от монтажа, режиссеру пригодился опыт съемок этого хоррора. Джеймсу удалось воссоздать механизм, который позволял управлять чучелами хищных рыб в подводных сценах. Доведя это устройство до ума, он смог снять фрагмент, в котором фейсхаггеры двигаются в колбах в научной лаборатории.

Немалую смекалку Джеймс проявил и при изготовлении техники для фильма. Когда режиссера не устроил ни один из предложенных вариантов дизайна челнока морпехов, он самостоятельно создал летающий корабль из старой модели вертолета Apache. Основой для бронемашины APC стал списанный тягач Британских авиалиний. Чтобы упростить работу с этим транспортным средством, создатели боевика вынули из него все ненужное оборудование. Интересно, что некоторые декорации «Чужих» впоследствии использовали в других известных картинах. К примеру, спустя пару лет улей переоборудовали в завод Axis Chemical для «Бэтмена» Тима Бертона.

Лэнс Хенриксен заказал специальные контактные линзы с двойным зрачком, чтобы надеть их в сцене изучения лицехвата. Режиссер посчитал, что актеру не стоит их использовать, ведь андроид и без того мог вызвать мурашки у зрителей. В те времена Хенриксен был разочарован тем, как складывалась его карьера, из-за чего он даже всерьез рассматривал идею покинуть мир большого кино в случае провала «Чужих». Но в итоге именно образ Бишопа принес ему всемирную известность и любовь поклонников научной фантастики.

Однако успех был в прямом смысле выстрадан: Лэнс получил пищевое отравление во время съемок сцены нападения Королевы. Актеру приходилось дубль за дублем выплевывать изо рта смесь молока и йогурта, которая быстро скисла под палящими лампами освещения. В свое время Ридли Скотт предусмотрел этот момент, отказавшись от идеи использовать кисломолочные продукты для сцены гибели Эша в «Чужом».

Лишнюю головную боль Кэмерону доставила и сцена падения Ньют в шахту вентиляции. Юная актриса Кэрри Хенн намерено срывала дубли, чтобы получить возможность еще раз скатиться с огромной горки. Режиссер пообещал девочке, что после завершения съемок этой сцены она сможет провести на импровизированном аттракционе столько времени, сколько захочет. Стоило Джеймсу получить нужный кадр, как он разрешил Хенн веселиться в этих декорациях весь оставшийся день.

Хотя образ Ньют принес Кэрри престижную премию «Сатурн», она решила не связывать свою дальнейшую жизнь с миром большого кино и предпочла стать учительницей.

Сигурни Уивер дарила своим коллегам букеты в те дни, когда проходили съемки гибели их героев. Когда очередь дошла до Пола Райзера, она вручила ему высохшие цветы. Актер настолько убедительно сыграл коварного Картера Берка, что его собственная сестра влепила ему пощечину, когда впервые увидела «Чужих» на большом экране.

Композитору Джеймсу Хорнеру обещали, что работа над лентой займет у него всего шесть недель. Когда он прибыл в Лондон, выяснилось, что фильм все еще продолжают снимать. Хорнер прождал три недели, прежде чем ленту наконец-то отправили на монтажный стол. В силу того, что у композитора уже имелись обязательства перед другими режиссерами, ему пришлось покинуть британскую столицу. Кэмерону не оставалось ничего другого, как самостоятельно подгонять мелодии к перемонтированным сценам. «Чужие» принесли композитору его первую номинацию на «Оскар», однако он дал обещание больше никогда не иметь дело с канадским режиссером. К счастью, топор войны был зарыт в середине 90-х, когда Кэмерона восхитила музыка Хорнера к «Храброму сердцу». Постановщик предложил композитору забыть старые обиды и поработать над лентой «Титаник».

Кэмерон остался разочарован работой монтажера Рэя Лавджоя и даже готовился передать пленки с фильмом Марку Голдблатту, с которым он сотрудничал при создании «Терминатора». Узнав, что над его головой навис дамоклов меч, Лавджой на пару дней закрылся в монтажной комнате и принялся компоновать сцену финальной битвы. Вскоре он показал итоговый результат режиссеру, который тотчас же передумал его увольнять. Кэмерон и Лавджой занимались монтажом практически до самой премьеры, из-за чего «Чужих» так и не успели продемонстрировать тестовой аудитории.

Финальный монтаж ленты доказал, что Кэмерон внимательно относится даже к мельчайшим деталям. Во время приземления морпехов на планетоид LV-426 сержант Эйпон сообщает о десятисекундной готовности, и именно через указанный срок военные начинают покидать бронетранспортер. Не менее впечатляющим оказался и монтаж финального акта картины, в котором зрители узнают, что взрыв реактора должен состояться через 15 минут. Джеймс вновь подтвердил статус перфекциониста, благодаря чему хронометраж этого фрагмента фильма составил ровно четверть часа.

В честь 30-й годовщины с момента выхода фильма на экраны команда «Чужих» решила собраться вместе на предстоящем фестивале Comic-Con. На встрече с поклонниками будут присутствовать Джеймс Кэмерон, Гейл Энн Херд, Сигурни Уивер, Майкл Бин, Кэрри Хенн, Пол Райзер, Лэнс Хенриксен и Билл Пэкстон, которые наверняка раскроют еще немало секретов создания легендарного фантастического боевика.